La década de los setenta marcó un punto de inflexión irreversible en la historia del séptimo arte. Con la caída de los códigos tradicionales de censura en Estados Unidos, emergió un fenómeno cultural tan audaz como sofisticado: la "Época de Oro del Porno" (1969-1984). Lejos de la producción amateur y clandestina, este periodo transformó el cine para adultos en un terreno de ambición técnica, presupuestos elevados y narrativas con un profundo valor artístico y sociológico que desafiaron al cine comercial. En el centro de esta revolución se alza la figura del director Gerard Damiano, quien tras sacudir al mundo con el éxito satírico de Deep Throat, decidió perfeccionar y subvertir las reglas del género. El resultado fue The Devil in Miss Jones (1973), una obra maestra existencialista que, impulsada por la magnífica y atípica interpretación de Georgina Spelvin, difuminó por completo las fronteras entre la pornografía, la filosofía y el arte cinematográfico.
‘Exótica’ (1994) de Atom Egoyan: cartografía de la soledad y el deseo.
Exótica (1994) del director armenio-canadiense Atom Egoyan, es un mosaico en el que cinco personajes orbitan alrededor del club nocturno Exótica, ubicado en Toronto. Christina (Mia Kirshner) es una joven stripper que baila para Francis (Bruce Greenwood), un cliente que acude todas las noches para hablar con la chica. Solo hasta el último plano de la película, quedará clara esta bizarra relación en la que Christina afirma: “Yo le necesito para ciertas cosas y el me necesita para otras cosas”.
Ausencias del tiempo en ‘La bola negra’ (2026)
El tiempo no siempre avanza en línea recta. A veces regresa, se repite, se disfraza de nuevas circunstancias y vuelve a colocar frente a nosotros aquello que creíamos enterrado. En La bola negra, Los Javis construyen un relato donde las décadas se superponen y el pasado encuentra extrañas formas de dialogar con el presente. Tres hombres, tres épocas y tres maneras de enfrentarse al deseo, al miedo y al silencio terminan formando una misma constelación: una historia que atraviesa generaciones y demuestra que aquello que una sociedad intenta ocultar no desaparece, sino que permanece suspendido, esperando el momento de volver a ser nombrado.
Ángel de fuego (1992) de Dana Rotberg: una ciudad hecha de cenizas.
En Ángel de Fuego (1992), la cineasta Dana Rotberg narra la historia de una niña ingenua que en la búsqueda de redención, se queda sin fe ni esperanza; Alma se degrada plano a plano, malgasta la poca felicidad que le llega, mientras su sonrisa se borra, existiendo en un sórdido entorno que por el día es circo, y por la noche, un burdel.
The Twisted Childhood Universe: cuando el cine retuerce nuestra infancia.
La nostalgia infantil se ha convertido en una mina de oro para el cine de terror. En plena era digital, Hollywood ha encontrado una fórmula tan retorcida como rentable: profanar los iconos de nuestra infancia y transformarlos en monstruos sedientos de sangre. Lo que alguna vez representó la inocencia ahora alimenta pesadillas de bajo presupuesto, humor macabro y violencia explícita. El fenómeno tiene nombre propio: The Twisted Childhood Universe, una franquicia que convierte los recuerdos más entrañables de varias generaciones en auténticas carnicerías cinematográficas.
Consumir la crítica: ‘Digger’ (2026)
El capitalismo tiene una extraordinaria capacidad para convertir incluso su propia crítica en espectáculo. Quizá por eso resulta tan difícil filmarlo sin terminar atrapado en sus mismas lógicas: acumulación, exceso, consumo y exhibición. Alejandro González Iñárritu lo intenta en Digger (2026), una película que parte de una catástrofe ambiental para construir una historia sobre el poder, la culpa y las posibilidades de redención. Pero mientras su protagonista busca reparar un desastre nacido de la riqueza que él mismo ayudó a construir, la película parece quedar atrapada en una contradicción semejante: quiere cuestionar el exceso, aunque termina haciendo del exceso su principal recurso.
Anatomía de una obsesión: ‘Ensayo de un crimen’ (1944) de Rodolfo Usigli.
A mediados del siglo XX, la literatura mexicana dio un vuelco definitivo gracias a la genialidad de Rodolfo Usigli. Con la publicación de Ensayo de un crimen en 1944, las letras nacionales abandonaron el polvo de la Revolución para adentrarse en el asfalto de una Ciudad de México en plena modernización. Resulta necesario sumergirse en las entrañas de esta obra pionera, explorando la mente del inolvidable protagonista, Roberto de la Cruz, y desentrañar el valor de una novela que transformó el género policiaco en una fina disección de la psicología humana y la crítica social.
‘Barrio Triste’ (2025): filmar las historias que nadie se atreve a mirar.
Del videoclip a la ficción, Stillz da un nuevo giro a su mirada visual con Barrio Triste, una ópera prima que convierte el found footage en una herramienta para explorar el horror más cercano y doloroso: aquel que surge de la violencia, la marginación y las historias que permanecen fuera de cámara. Ambientada en la Medellín de finales de los años ochenta, la película propone un inquietante recorrido por las voces y experiencias de un grupo de jóvenes que encuentran en una cámara la posibilidad de contar su propia historia.
Día 4 del Festival de Cine Alemán 2026: el peso de nuestras decisiones.
Llegamos al cuarto día de proyecciones con dos historias que, aunque se desarrollan en épocas y contextos diferentes, exploran las consecuencias que nuestras decisiones pueden tener sobre quienes nos rodean. Doble Patria, de Michael Kofler, nos conduce por una vorágine de violencia y masculinidad tóxica. Allegro Pastell, de Anna Roller, se adentra en el lado más caótico de las relaciones románticas durante la adultez.
La filosofía de los Backrooms o la necesidad de las nuevas generaciones de explicar el mundo.
Los Backrooms parecen espacios conocidos, tiene elementos que como sociedad podemos ubicar pero no funcionan correctamente. Los objetos están fuera de lugar, desgastados, consumidos por sí mismos. Me parece entonces una metáfora visual del mundo en que viven pero no habitan. Un lugar en que el enemigo es invisible pero se sabe que la amenaza es real.
Día 3 del Festival de Cine Alemán 2026: la fuerza de la memoria colectiva y la IA como guarida afectiva.
El tercer día de proyecciones trazó un puente entre el pasado y el presente, entre la memoria colectiva y las nuevas formas de relacionarnos en un mundo cada vez más mediado por la tecnología. Dos propuestas arriesgadas y provocadoras que, desde lenguajes muy distintos, cuestionan nuestra manera de habitar la sociedad, de mirar nuestra historia y de buscar vínculos en medio de la incertidumbre. Por un lado, la memoria se convierte en una herramienta para comprender y transformar el presente; por otro, la inteligencia artificial aparece como un inesperado refugio ante la soledad y la necesidad de conexión. Dos filmes que, desde sus propias fronteras, nos obligan a mirar aquello que preferimos no dejar entrar en cuadro.
Día 2 del Festival de Cine Alemán 2026: identidades que rompen el statu quo.
Siguiendo con la cobertura de la 25ª edición del Festival de Cine Alemán, la segunda jornada de proyecciones estuvo marcada por dos películas que cuestionan los esquemas que determinan quiénes somos y dónde pertenecemos: El juicio de Hein (2026), una intrigante historia de Kai Stänicke y la experimental Dos montañas oprimen mi pecho (2026) de Viv Li.

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