Opinión Kinema Books/Abril 2024

Aquí llega la opinión mensual de nuestra comunidad, con plumas que escriben sobre sus películas elegidas desde Bolivia, Japón, Perú y México.

El escapulario (1968)/México – Servando González

Por Sandra Cárdenas Quiróz

El escapulario, película Mexicana del director Servando González del año 1968, es una historia de misterio con un toque de fantasía característico de las leyendas Mexicanas. Durante 85 minutos, acompañaremos a una mujer desde su lecho de muerte y con la atenta mirada de un sacerdote; conoceremos una historia de superstición en torno a un amuleto: El escapulario que rige el destino de algunos miembros de la familia.

Ambientada en la época de la Revolución Mexicana (1910) y con unas excelentes actuaciones, este filme nos habla sobre la guerra, la maldad, el honor, el amor y sobre todo de la muerte. Si a todo esto le sumamos la presencia de Gabriel Figueroa, genio absoluto de la cinematografía, el resultado es una hermosa foto en blanco y negro donde el manejo de luz y sombra, junto con sus maravillosos planos, logra una atmósfera opresiva y de suspenso, perfecta para la historia.

Imperdible y recomendable película de la que desafortunadamente se habla muy poco. Se trata de un trabajo fílmico dentro del cine mexicano que demuestra que el género de terror no solo se trata de monstruos, fantasmas o vampiros asustando en cada rincón oscuro.

Voy a explotar (2008)/México – Gerardo Naranjo

Por Armando Navarro

El cine del director Gerardo Naranjo es un sumario de personajes en constante huida de entornos feroces; se trata también de una filmografía que toma riesgos y rastrea en los rincones oscuros del ser humano. Las dualidades adolescencia/desconcierto y violencia/redención parecen plagar su trabajo: ahí están el debut (hoy, inconseguible) Malachance (2004) y su búsqueda introspectiva; las historias cruzadas de amor, escape y deseo de morir en Drama/Mex (2006); R-100, el corto con el que participó en la antología Revolución (2010), donde sangre y carreteras infinitas estrujan todo; Miss Bala (2011), Viena and the Fantomes (2020) y Kokoloko (2020), con sus personajes femeninos muy cerca de la fatalidad.

Entre toda la desigualdad de estos ejercicios fílmicos (algunos, premiados en festivales), Naranjo filmó lo que bien puede ser la mejor película sobre la adolescencia del cine mexicano: Voy a explotar (2008), un acercamiento nostálgico e impulsivo al amor y la juventud. Román (Juan Pablo de Santiago) y Maru (María Deschamps) son dos adolescentes problemáticos en franca rebelión ante en mundo que los engulle en hastío.

Ella despierta un día sin saber donde está y él tiene tendencias psicópatas; tras conocerse e imaginar la posibilidad de una salida a su aflicción, con un utópico vínculo entre ellos, la pareja decide huir, mientras explotan la sexualidad y el amor que los atrapa y aterra por igual. Su atropellada fuga los lleva a un destino incierto que apunta a la perdición; cuando Maru y Román abandonen la burbuja ilusoria concebida y salgan al mundo real que tanto desprecian, las consecuencias serán trágicas.

Los minutos finales de Voy a explotar son de una crudeza y melancolía insoportable, justo por que transmiten todo la ansiedad y desconcierto que encierra la adolescencia. La canción Naves Que Dan Vuelta A Un Balón de la banda española Prin’ La La, suena mientras corren los créditos; el espectador queda atónito y recibe la lúgubre moraleja, sin espacio para la hipocresía de un final feliz. Remata Gerardo Naranjo: «Si te vas a aventar con unas ideas tontas, habrá consecuencias que tendrás que asumir. Todo tiene precio en esta vida».

Güeros (2014)/México – Alonso Ruizpalacios

Por Marisela Sánchez

Güeros es una película del director mexicano Alonso Ruizpalacios, que en 2014 ganó el premio a la mejor ópera prima en el festival internacional de cine de Berlín, es protagonizada por Tenoch Huerta, Sebastián Aguirre Boëda, Leonardo Ortizgris e Ilse Salas.

Nos cuenta la historia de Tomás, un adolescente inquieto originario de Veracruz, que tras un incidente en el que se ve afectada su madre, es enviado a pasar un tiempo con su hermano, Federico, que estudiaba en la UNAM en la Ciudad de México.

Federico, apodado el Sombra, y su amigo Santos deciden quedarse en casa durante una huelga estudiantil, simplemente esperando a que termine. Tras unos días de la llegada de Tomás, este se entera de que su ídolo, una vieja estrella del Rock, se encuentra muy delicado de salud internado en el hospital y le pide a su hermano que vayan a verlo; sin embargo, esto sirve de pretexto para que nuestros protagonistas emprendan un viaje que nos irá mostrando lo que se vive en las calles de la ciudad con una nostálgica fotografía en blanco y negro, durante el recorrido también pasan por la universidad en donde se encuentran a Ana, una joven revolucionaria que participaba activamente en el movimiento estudiantil.

Güeros me parece una gran reflexión sobre la búsqueda de identidad, encontrar una causa por la que valga la pena luchar, salir de nuestra zona de confort y sobre todo, no ser indiferentes a las problemáticas que sacuden a nuestra sociedad, formar nuestro propio criterio, tomar una postura y defenderla.

Yawar mallku (1969)/Bolivia – Jorge Sanjinés

Por Víctor Rivera Córdova

En 1969, Jorge Sanjinés, el gran director y esteta boliviano, realizaría Yawar Mallku (Sangre de cóndor), su segundo largometraje junto al grupo Ukamau, y que le valdría ser seleccionada por la UNESCO como una de las 100 mejores películas del mundo en 1992. El argumento principal de Yawar Mallku se centra en la injerencia que realizaban los “cuerpos de paz” estadounidenses en las comunidades rurales bolivianas, esterilizando arbitrariamente a la población femenina a través de supuestas donaciones alimenticias y causando grandes desequilibrios en la vida de estas poblaciones.

Esta denuncia social realizada en la película y basada en hechos reales, hizo que el gobierno boliviano de la época comenzara un proceso de investigación, que efectivamente demostrara la culpabilidad de estas delegaciones extranjeras, posibilitando su expulsión de territorio boliviano en 1971.

Yawar Mallku posee también la virtud de ser la película que posibilitaría la reflexión final en torno al manejo del tiempo y el espacio en las películas de Sanjinés. Si bien la película fue realizada por una construcción temporal de analépsis (flahsback) y fragmentación del espacio a través de las diversas escalas de plano y segmentaciones del montaje; Sanjinés comprendió que este lenguaje podía ser fácilmente entendido por los públicos de las ciudades y los públicos extranjeros, pero que sin embargo los públicos indígenas y rurales, no lograban involucrarse completamente con la narración propuesta, debido a que su cosmovisión del mundo obedecía a otras lógicas temporales (generalmente cíclicas) y a otra percepción del espacio (al cuál consideraban continuo).

Estas reflexiones obtenidas a través de la visión conjunta con su público objetivo, posibilitaron la construcción de una nueva estética, que llegaría a materializarse en la definición del “plano secuencia integral”, tésis que llegaría a cristalizarse y aplicar magistralmente en su película “La nación clandestina” (1989).

Para un realizador como Jorge Sanjinés, preocupado de construir un “cine junto al pueblo”, Yawar Mallku constituye uno de los puntos más altos y representativos de su filmografía, pues evidencia su preocupación de contacto con la realidad de la que procede, su intención de aprendizaje y adaptación constante en beneficio de la población a la cuál busca comunicar estos mensajes, y finalmente logra la aspiración de todos los cineastas comprometidos, la cual es que su obra artística llegue a impactar en la misma realidad y sirva como instrumento de cambio social.

Canoa: memoria de un hecho vergonzoso (1976)/México – Felipe Cazals

Por Miguel Hernández Moreno

Canoa de Felipe Cazals es una obra cinematográfica impactante que, a través del falso documental, explora el tema de la intolerancia y la violencia en México en la década de 1960. Basada en hechos reales, la película cuenta la historia de un grupo de jóvenes estudiantes de la Universidad Autónoma de Puebla que mientras exploraban la región de La Malinche, fueron confundidos con comunistas y asesinados por una turba enfurecida en el pueblo de San Miguel Canoa.

La película comienza con una imagen aérea de la majestuosa montaña de La Malinche, que se convierte en un símbolo recurrente de la naturaleza virgen y el misticismo mexicano. Los estudiantes, liderados por el profesor de literatura, Germán (interpretado por Carlos Castañón), deciden hacer una excursión a la montaña para conocer mejor la región y sus gentes. Sin embargo, su presencia en el pueblo de San Miguel Canoa, donde se alojan, es vista como una amenaza por un grupo de fanáticos religiosos y ultraderechistas que creen que los estudiantes son comunistas ateos que quieren atentar contra su fe católica sus tradiciones.

A medida que la tensión aumenta, los estudiantes se ven cada vez más aislados y amenazados por la comunidad de Canoa, que finalmente los acusa de conspirar contra la iglesia y el gobierno. El filme es una poderosa crítica a la intolerancia y la ignorancia que pueden llevar a actos de violencia extremos. Cazals utiliza un estilo documental para crear una sensación de realismo y urgencia en la trama, lo que hace que la película sea aún más impactante y desgarradora.

Canoa es una película que debe ser vista por todos los que estén interesados en la historia y la cultura de México, así como en los temas universales de la intolerancia y la violencia. La obra de Cazals es una llamada a la reflexión sobre los peligros de la ignorancia y la propaganda, y una advertencia sobre cómo la manipulación de las masas puede llevar a actos terribles de injusticia y crueldad.

Los adioses (2017)/México – Natalia Beristáin

Por Marisol Nava

En Los Adioses, la directora Natalia Beristáin crea un complejo estudio de una de las voces más importantes de la literatura mexicana, Rosario Castellanos. Narra de forma superpuesta aquellos eventos que marcaron su juventud y adultez, sobre todo aquellos relacionados con su tortuosa relación con Ricardo Guerra. Así pues, Castellanos es retratada mediante tres de sus facetas más importantes: la escritora y académica, la feminista y la madre y esposa.

Muchas de las críticas que ha recibido la cinta apuntan que Beristáin le da más importancia a la relación de la protagonista con su pareja, en lugar de enaltecer sus logros literarios y académicos. Hay verdad en el hecho de que Castellanos no es admirada y reconocida por ser la esposa de alguien, sino por su voz como escritora y académica feminista. Sin embargo, la presencia de una cosa no invalida a la otra, al contrario, alimenta al personaje de Beristán al mostrar su lado más humano.

Esta combinación tan contradictoria es un reflejo de dolencias y elementos contextuales que permanecen vigentes hoy en día. Nos dice: “Rosario Castellanos fue una mujer grandiosa, con una mente brillante que, sin embargo, también sufrió, como muchas como ella en la actualidad, por tener ambición en un mundo dominado por hombres”.

Vuelven (2017)/México – Issa López

Por Alejandra Díaz Blengio

Vuelven, dirigida por Issa López, es una película de terror y fantasía que cuenta la historia de Estrella, una niña de 10 años que queda huérfana luego de que su madre es asesinada dentro del marco de la guerra contra el narcotráfico, y que al encontrarse completamente sola, se une a un grupo de huérfanos que buscan sobrevivir en una ciudad desolada y azotada por la violencia. La película empieza como un cuento y está contada como una especie de fábula de fantasmas que habla de la violencia, la pérdida, la resiliencia y de los fantasmas que la violencia en México deja día a día, y es justo así como comienza la cinta, dando cifras de muertos y desaparecidos, víctimas de la guerra contra el narcotráfico, contextualizando desde el primer momento esta realidad empírica fáctica en la que vive nuestro país.

Las películas de terror apelan a eso que nos da miedo, a aquellos que podemos percibir como una amenaza o como un peligro y quizá no haya nada más acertado en cuanto a nuestra trayectoria compartida y colectiva que ese miedo a la violencia que surgió en nuestro país a raíz de la guerra contra el narco y es en esta escenografía que se desarrolla la película, una escenografía que lamentablemente no existe solo en la ficción, sino que es además superada por la realidad. Y es ahí donde reside el verdadero terror de esta cinta, en el conocimiento de que la realidad supera a la ficción. El terror no son los fantasmas de la cinta, el verdadero terror son las miles de personas que viven en medio de esta guerra y que día a día se convierten en víctimas a quienes cualquier posibilidad de justicia les escapa por completo en este país.

Issa López utiliza esta ficción como una herramienta de denuncia, y lo hace a través de la mirada de las infancias. Echa mano de las mitologías de los cuentos de hadas, para articular en la narrativa los anhelos y los miedos de las infancias, y a través de la fantasía las empodera. Es una cinta muy rica en términos de capas, e incluso representa otras formas de relacionamiento entre las personas, formas que no pasan por la jerarquía o la opresión, quizá porque todos son infantes, y como tal, todos son frágiles.

Vuelven es un paisaje post apocalíptico en el cual quedan los resabios de lo que alguna vez fue la normalidad; una normalidad con cierto orden, estructura y seguridad. La película está llena de fantasmas, víctimas de la violencia y son estos espectros de la violencia, que representan el miedo de un país, un país que se encuentra en guerra, y esa realidad es terrorífica.

El castillo de la pureza (1973)/México – Arturo Ripstein

Por J.R. Nava

El castillo de la pureza es una película mexicana de 1973 dirigida por Arturo Ripstein y escrita por Paz Alicia Garciadiego. La película cuenta la historia de un hombre llamado Gabriel Lima (interpretado por Claudio Brook) que mantiene a su familia encerrada en su casa para protegerlos del mundo exterior y de los peligros de la contaminación.

La película se desarrolla en un ambiente claustrofóbico y opresivo, ya que la familia está atrapada en su casa sin posibilidad de escapar. La tensión se va construyendo poco a poco a medida que los personajes van descubriendo los verdaderos motivos de Gabriel y la realidad que se oculta detrás de su obsesión por la pureza.

El estilo visual de la película es impresionante, con una fotografía que crea una atmósfera oscura y angustiosa. La dirección de Ripstein es impecable, logrando mantener al espectador atrapado en la historia y transmitiendo la sensación de opresión y asfixia que siente la familia.

Además, la película tiene una gran carga simbólica y reflexiva, abordando temas como la obsesión, la paranoia, la manipulación y el control. Gabriel representa una figura autoritaria y paternalista que se siente en el deber de proteger a su familia, aunque esto signifique mantenerlos en una prisión invisible. La película también plantea preguntas sobre la naturaleza del ser humano y su capacidad para controlar su entorno.

En resumen, El castillo de la pureza es una película intensa y emotiva, que combina una excelente dirección, una cuidada fotografía y una historia intrigante que invita a la reflexión. Sin duda, una obra maestra del cine mexicano que sigue siendo relevante y cautivadora hasta el día de hoy.

Cronos (1993)/México – Guillermo del Toro

Por Anahí Vargas Carbajal

Antes de adentrarse al mundo de los chupasangre bajo el sello de Marvel en el 2002 con Blade II, Guillermo del Toro ya había explorado el mundo del vampirismo de una manera tan peculiar como sólo él podía hacerlo: dentro de la cotidianidad citadina en una relación abuelo-nieta, el mundo que él mejor conoce y sabe contar. Cronos fue la ópera prima y carta de presentación al mundo de esa fuerza de la naturaleza rebosante de creatividad e ingenio llamada Guillermo del Toro en 1993, quien con mil deudas encima, unos cuantos posters y un rollito de cinta adhesiva logró levantar esta película y llevarla a ser premiada en la Semana de la Crítica en el Festival de Cannes.

Desde ese entonces ya se palpaban los que serían los temas recurrentes de su autor, así como la manera en la que gusta de proyectarse a sí mismo en esas infancias que observan sus entornos turbulentos y sobreviven a ellos. Aurora, el único personaje infantil de esta película, es un gran banderazo de salida. No tiene ni un sólo diálogo hasta casi el final de la película, simbolizando lo que ocurre en muchas familias mexicanas con los niños: no se les da voz. No se les da voz ni voto porque «¿para qué? Si son niños, ¿qué tendrían que decir? ¿qué valor puede tener su opinión?». Guillermo representó a través de Aurora el cómo constantemente los niños están ahí y observan todo, saben más de los que creemos, se dan cuenta de lo que hacemos e incluso llegan a ser la voz de la cordura y de la razón a la que llegamos a recurrir para obtener respuestas.

Llegando al final pronuncia una sola palabra que sabe que la va a salvar, después no vuelve a hablar; sabe lo que tiene que decir y cuando decirlo. ¿Será una representación personal de la infancia que vivió el mismo del Toro observando en silencio las conductas de esa abuela que lo quiso exorcizar? Puede ser, si nos basamos en comentarios que él mismo ha hecho sobre su infancia y la relación con su abuela.

Ikiru (1952)/Japón – Akira Kurosawa

Por Chang Khuc

Ikiru es una película producida en 1952 por el director Akira Kurosawa. El personaje principal en Ikiru es Kanji Watanabe. Un hombre se describe como un cadáver, ocupado pero en realidad no hace nada. Hasta recibir la sentencia de muerte del cáncer antes de la muerte 5 meses antes de que este hombre muerto estuviera realmente preocupado por la vida.

El Sr. Watanabe tiene cáncer de estómago y solo puede vivir durante aproximadamente medio año a otro año, pero debido a que toda su vida trabaja para criar a su hijo, su única fuente de vida y motivación, siente que durante los últimos años solo existe, no viviendo. Su hijo malinterpretó sus extrañas expresiones y pensó que tenía un nuevo amor, por lo que estaba enojado con él, haciéndolo sentir con el corazón roto y sintió que su mundo se había derrumbado.

Watanabe a su vez se hizo amigo de una escritora joven y una mujer joven, cada uno contribuyendo con un impacto para llevar a nuestro héroe al último ideal. El Sr. Watanabe se dio cuenta de que incluso un año era suficiente para que él viviera con el significado de esta palabra, haciendo un pequeño trabajo, pero significativo, lo que no se desperdició los días restantes.

Ikiru es el viaje de un héroe solitario. Ikiru usó sátira para atacar esta vida sin sentido. La película criticó mucho el aparato burocrático en el mundo de los servidores públicos, solo perdió el tiempo en cosas inútiles que absolutamente no ayudaron a la gente. Una película con grandes escenas. El deseo de vivir en el significado correcto, hacer cosas que sean útiles, entusiastas e intensas siempre fluyen a través de cada escena de Kurosawa.

Utama (2022)/Bolivia – Alejandro Loayza Grisi

Por Alexandro Sarsuri

La relación armónica o contradictoria entre el ser humano y la naturaleza es una premisa persistente que ha marcado la construcción narrativa de las últimas décadas. La película boliviana de Alejandro Loayza estrenada el año 2022, Utama, cuya traducción del aymara al español seria “Nuestra Casa”, se despliega en esa tensión.

La aridez e inhospitalidad del altiplano boliviano, característico de este ecosistema nos sirve como un marco donde fluyen otras contradicciones más primordiales. La pareja de ancianos Virginio y su esposa Sisa, dedicados al pastoreo de llamas, deben enfrentar una persistente sequía que obliga a sus vecinos, pobladores rurales de aquel paramo a migrar. En esa disyuntiva ambos personajes deben afrontar juntos la decisión de permanecer en ese desierto que para ellos es su casa. Los lazos afectivos se mantienen ante la adversidad, ambos saben que ese paramo con todas las carencias posibles es su hogar.

La premisa resulta muy sugerente para pensar aquello que define los sentidos de pertenencia a un espacio, sea cual fuere. Podría uno acompañar la obstinada decisión de Virginio, porque, al fin y al cabo, reconstruir desde cero la vida y sus hábitos no es algo que se pueda rehacer a cualquier edad. En esa obstinación esta también una certeza: saber que su tiempo se está extinguiendo, que cualquier espacio ya no será su espacio, y lo central, el equilibrio con la Pachamama o la madre tierra se va quebrantando, desestabilizando el orden de las cosas: la naturaleza y la comunidad.

En este universo que construye Loayza todas las variables, el entorno desolado, la sonoridad y la puesta en escena van configurando la proximidad del desastre. Sin embargo, siguiendo la metáfora de la tormenta que quiebra el orden existente, al final la tenue luz de la esperanza vislumbra quizá mejores días. ¿Pero cuáles serán esos mejores días?

La película de Alejandro Loayza resulta un brillante poema visual para pensar los tiempos contemporáneos. Así como en la película de Hiroshi Teshigahara “La mujer de las dunas” la persistente densa arena tiene un símil con la imponente desolación de los páramos del altiplano boliviano.

Wiñaypacha (2017)/Perú – Óscar Catacora

Por Sebastián Valladares

Antuku no ha vuelto. Sus padres, Willka y Phaxsi (“Sol” y “Luna” en aymara) son los últimos baluartes de su generación en transmitir la cultura de sus antepasados. Los dioses a quienes claman solo reaccionan ante los fríos vientos que derrumban sus piedras. La cámara estática es indiferente, no embellece ni teatraliza, en tanto que nos acerca a la cercana relación de los protagonistas: El amor los une, a pesar del hostil mundo en el que viven.

No sabemos qué año es, ni exactamente en qué parte de la región andina están viviendo nuestros protagonistas. Es un espacio atemporal, al igual que el tema que resuena: La distancia entre padres-hijos. Esto se complementa con otro tema universal, como lo es el paso del tiempo para las personas mayores, y un subtema que tiene especial importancia en el Perú: El abandono de la identidad de nuestros ancestros por sentirnos inferiores.

El uso de planos cerrados, casi claustrofóbicos por momentos, nos ubican en las humildes condiciones en las que viven los protagonistas, las cuales exponen una precariedad que aumenta conforme pasan los días. A estos se les unen grandes planos generales del altiplano que rodea el hogar: Un lugar vacío, solitario, abandonado por el resto del mundo. Es por medio de la construcción de estos planos y la dirección de sus actores que se esculpe el tiempo en el filme. Lentitud, paciencia para contemplar las acciones y permitirnos pensar en lo que los personajes sienten conforme la hostilidad del mundo los azota con cada vez más rudeza. 

El hijo no sabe que posiblemente nunca volverá a ver a sus padres. Ellos saben que las “grandes ciudades” son ahora su lugar. Quizás los tiempos no son tan malos para él, ahora que se ha desligado de las raíces de las cuales tanto se avergonzaba. Ahora pertenece a una nueva comunidad, desconocida en el filme, pero posiblemente familiar para los espectadores, a costa del abandono de su identidad indígena. Wiñaypacha nos muestra que es ese rechazo en la brecha generacional puede matar más que solo a la cultura de cada uno de nosotros. “A pesar de todo estamos juntos. Estaremos bien”

Manco Capac (2020)/Perú – Henry Vallejo Torres

Por Sebastián Cavero

Antes de esta reseña quiero aclarar la gran cantidad de malas películas de nuestro cine peruano. Sin embargo, Manco Cápac logra ser simple y emocionalmente lograda. A pesar de tener un bajo presupuesto, Manco Cápac logra capturar la ignorancia y la deshumanización nacida del sueño peruano: tener un futuro.

Elisba, un hombre de pueblo sin una moneda en la mano, va en una travesía llena de desprecios e indiferencia con el objetivo de encontrar a su amigo Hermógenes quién le dará un empleo. La película logra de forma innovadora utilizar el silencio como símbolo de la ignorancia, pena e incomodidad del protagonista.

La hermosa cinematografía logra capturar el sin-lugar del personaje sin rumbo que encuentra una y otra vez rechazo de quienes incluso están en su misma situación. Una representación verdadera de la realidad peruana, con un final crudo e indignante esperando que haya valido la pena todo el sacrificio de buscar una oportunidad.

En Revista Kinema Books, nos apasiona acercar la cultura cinematográfica a todos los interesados en las conexiones que unen al cine con todas las demás artes. Queremos cambiar al mundo, por medio de la divulgación de libros, películas y arte.