Nos gusta comenzar el año inmersos en la temporada de premios, que siempre emociona y provoca. Nuestras colaboradoras y colegas en Kinema Books, escogieron algunos de los títulos más relevantes, nominados en diversas categorías de los Golden Globes, evento a celebrarse el próximo domingo 5 de enero.
Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story – Ryan Murphy, Ian Brennan
Durante los últimos meses del 2024, Ryan Murphy volvió a impactar a los consumidores de la plataforma de streaming Netflix con el estreno de una serie de ocho capítulos sobre uno de los casos más sonados en Estados Unidos; con las actuaciones de Nicholas Alexander Chavez, Cooper Koch, Javier Bardem y Chloë Sevigny, nuestras televisiones fueron invadidas con Monsters: The Lyle and Erik Menendez Story.
Nominada a Best Television Limited Series, Anthology Series, or Motion Picture Made for Television en los premios Golden Globes 2025, podemos estar de acuerdo en que merece el reconocimiento por la complejidad que representa mostrar la dura realidad que vivieron los hermanos Menendez. Con las interpretaciones de Bardem y Sevigny, podemos sentir el desprecio que tenían José y Kitty Menendez por sus hijos. Bardem se convierte en el padre más estricto, violento, manipulador, con una mentalidad basada en alcanzar el éxito y una homofobia muy marcada a pesar de sus preferencias por ciertos chicos. Sevigny es una madre que lamenta la existencia de sus hijos mientras que intenta satisfacer a su esposo, haciendo ojos ciegos a los abusos que existen dentro de su “perfecta casa”.
Si pudiéramos darle un premio a las estrellas en ascenso ese sería para los jóvenes actores y protagonistas de la serie, Chavez y Koch. Se puede notar la dedicación y compromiso con la historia al darle vida a Lyle y Erik Menendez. Lyle se presenta como un hombre con problemas emocionales que no sabe medirse porque nunca le enseñaron sobre límites pero con un amor incondicional por su hermano menor, viviendo atormentado por su vanidad y siempre tratando de alcanzar y retener todo el cariño que su padre pueda darle a pesar del abuso sexual que recibe. Por otro lado, Koch hace una actuación exitosa de Erik Menendez, siempre con sus expresiones tristes y vacías por todo lo que le quitaron desde que tiene memoria, sabiendo que sus padres lo desprecian y siendo una persona vulnerable que apenas recibe verdadero afecto de su abogada de hierro, Leslie Abramson.
Los primeros capítulos se pueden sentir como camp, ya que existen escenas donde partes de la historia se retratan como cómicas mientras suena un soundtrack muy ochentero, pero a partir del quinto capítulo titulado Infancia de dolor parece que despertamos del sueño y ahora conocemos la verdadera y retorcida cara de la familia Menendez.
Conclave (2024) – Edward Berger
El término cónclave proviene del latín conclavis, que significa «habitación que se cierra con llave». Para la Iglesia Católica, el cónclave inicia con la muerte del Papa y concluye con la asunción del cardenal elegido como nuevo Santo Padre. Así arranca la película: Ralph Fiennes encarna a un personaje estoico y apremiado, comprometido con la noticia del fallecimiento del Holy Father. A lo largo del filme, su personaje carga no solo con el peso de las decisiones que afectarán a la Iglesia, sino también con el peso dramático que recae sobre el espectador.
Fiennes interpreta a Lawrence, el decano encargado de gestionar el delicado proceso post-mortem del Papa. Su papel es el de un creyente cuya fe en la Iglesia se ha visto quebrada, lo que añade una capa de conflicto interno al drama. Su calvario personal se convierte en un reflejo de la tensión narrativa del filme.
Basada en la novela homónima de Robert Harris (2016), esta adaptación es una intrincada obra que busca retratar con precisión los rituales y protocolos del Vaticano para elegir al nuevo representante de Dios en la Tierra. Desde los oscuros secretos de los cardenales hasta los escándalos sexuales y las opiniones políticas cruzadas, la película expone la complejidad humana dentro de una institución centenaria.
El filme se detiene en los minuciosos detalles del procedimiento, desde la destrucción del anillo papal hasta el sellado de los aposentos del pontífice fallecido. Cada paso del cónclave, cuidadosamente representado, refuerza el realismo de la obra y el guion. El resultado es un drama político que revela la lucha de poder dentro del Colegio Cardenalicio, aislado del mundo exterior mientras se decide el futuro de la Iglesia.
Dirigida por Edward Berger (Sin novedad en el frente, 2022), la película destaca por su fotografía, que enfatiza los rojos vibrantes y la pulcritud de los escenarios. Este estilo visual evoca un Vaticano solemne, pero artificial, habitado por individualistas movidos por sus propios intereses. Berger, quien ya había explorado las tensiones y los bandos de la guerra en su obra anterior, demuestra aquí su habilidad para construir un relato cargado de intriga y simbolismo.
La interpretación de Stanley Tucci como Bellini aporta una de las frases más memorables: «Cada cardenal, en el fondo de su corazón, ya ha elegido el nombre que tendrá en su papado». En este escenario de ambiciones y revelaciones, destaca el debut del mexicano Carlos Diehz, arquitecto de profesión, quien ofrece una actuación sorprendente y prometedora.
Conclave es un viaje al corazón del poder eclesiástico, un drama absorbente que enfrenta la tradición con los intereses personales de quienes moldean el futuro de la Iglesia.
Inside Out 2 (2024) – Kelsey Mann
En 2015 conocimos a Riley y a su séquito de emociones: Alegría, Desagrado, Furia, Temor y Tristeza. Ahora después de 9 años están de vuelta con una Riley adolescente que viene acompañada de nuevas emociones: Ansiedad, Vergüenza, Nostalgia, Envidia y Ennui, ¿qué podría salir mal?
De la mano de Kelsey Mann esta nueva entrega de IntensaMente pone el foco en el sistema de creencias y en el sentido de identidad de Riley, todo se verá trastocado con la llegada de la pubertad que a su vez genera grandes cambios y con ello la aparición de emociones más sofisticadas cuyo objetivo será la creación de una nueva Riley, pero las viejas emociones no lo permitirán, de esta manera una lucha por el control de las creencias y de la identidad de la propia Riley estará en riesgo. Entretanto Riley deberá lidiar con la separación de sus mejores amigas, la presión por encajar en un nuevo entorno, la angustia por el futuro, el miedo por no cumplir las expectativas, entre otras situaciones que vivirá mientras se encuentra en el Campamento de Hockey e intenta ingresar al equipo de las Firehawks.
IntensaMente 2 es una película con una hermosa animación donde cualquier persona, sin importar su edad, se podrá ver reflejado ya que toca temas muy importantes de salud mental como los ataques de ansiedad, la creación de escenarios catastróficos, los pensamientos obsesivos negativos, la pérdida de la alegría cuando crecemos y la positividad tóxica. Es muy significativo que estos temas puedan llegar a todo tipo de audiencias, pero sobre todo es valioso la simplicidad y profundidad con la que se tratan, y es que Intensa-mente 2 termina con gratas enseñanzas: nuestras emociones no nos definen, no se puede dejar de lado los pensamientos malos y quedarnos solo con los buenos, al final todo hace parte de nosotros y eso es lo que nos hace ser quienes somos, con los pros y contras, y con las miles de contradicciones que esto pueda generar, debemos aprender a escuchar nuestras emociones y reconocer que todas son importantes y que están allí para ayudarnos.
Con grandes expectativas llegaba IntensaMente 2 a las salas de cine y fueron altamente cumplidas, lo que ha repercutido a que haya sido nominada a dos premios en los Golden Globes 2025: Mejor película animada y Logros cinematográficos y de taquilla.
The Seed of the Sacred Fig (2024) – Mohammad Rasoulof
Tal vez una de la mayores sorpresas que hubo este año dentro del ámbito internacional que llegaron a las nominaciones de los Golden Globes fue la última película del aclamado cineasta iraní Mohammad Rasoulof, The Seed of the Sacred Fig. Una de mis películas favoritas del 2024 y una película muy importante por su contexto sociopolítico sobre las situaciones que acontecen en Irán en la actualidad y sobre el intento de arresto hacia el cineasta y su huida del país para terminar la película y estrenarla en Cannes.
La última película de Rasoulof narra la vida de Iman, un abogado que recibe un puesto como juez investigador en la Corte Revolucionaria de Teherán, su esposa Najmeh y sus hijas Rezvan y Sana. Mientras acontecen las protestas sobre la muerte de Mahsa Amini en Teherán, a Iman se le entrega una pistola como protección debido a lo peligroso que es su nuevo trabajo, mientras que sus hijas comienzan a cuestionar tradiciones y costumbres de las cuales sus padres no inmutan debido a que son parte de la historia y de la religión que profesan. Mientras las discusiones, los cuestionamientos y las protestas van creciendo, Iman pierde su pistola en casa, provocando una ola de tumultos, violencia y horrores hacia su familia.
Combinando la ficción de la narrativa con metrajes reales de redes sociales sobre las protestas que han acontecido en Irán, esta obra de Rasoulof no dejará a nadie sin algo que pensar durante toda la película y generará discusiones que son necesarias seguir debatiendo incluso en nuestras trincheras.
The Wild Robot (2024) – Chris Sanders
Con sus nominaciones en los Golden Globe Awards, y muy probablemente en los oscares, la película Robot Salvaje (The Wild Robot – Dreamworks 2024), es en especial una película que debe verse.
Esta película tiene un tinte tal vez nostálgico ya que será la última película animada totalmente producida por Dreamworks y cuyo corazón puesto en ella por el equipo liderado por el director Chris Sanders se demuestra en su hechura. Esta historia se basa en el libro homónimo del autor Peter Brown.
La historia de sobrevivencia, tolerancia y amor se centra en un robot llamado “Roz”, que por un accidente en su transporte cae en un lugar inhóspito y salvaje. Mientras trata de huir de ciertos peligros, accidentalmente termina con la vida de una familia de gansos a excepción de un huevo, mismo que eclosiona y da vida a “Brillo”.
Roz insegura de su propósito para el cual fue programada, cuida a Brillo con ayuda de otros animalitos quienes la guían, dándose una conexión muy maternal, que se ve reflejada en el momento que Brillo aprende a volar y a migrar. La historia también nos guía acerca de la gran responsabilidad que tenemos los seres humanos con la tecnología, misma que puede crear una conciencia propia, en este caso, manejada hacia el cuidado y amor hacia el medio ambiente.
El momento mas emotivo de esta cinta, se da cuando después de haber sido rescatada por sus fabricantes, Roz se encuentra de nueva cuenta con Brillo, a quien recuerda a pesar de la reprogramación a la que habría sido sometida.
Esta película nos lleva a un viaje lleno de emociones. El perdón, el compromiso, el amor y la sobrevivencia son cuidadosamente tratados en el desarrollo de esta cinta a mas no poder conmovedora.
En la versión en inglés las voces corren a cargo de Lupita Nyong’o, Pedro Pascal , Catherine O’Hara, Bill Nighy, Kit Connor, Stephanie Hsu, Mark Hamill , Matt Berry y Ving Rhames. En Latinoamérica las voces fueron puestas por Vero López, Óscar Flores, Emilio Treviño, Idzi Dutkiewicz y Carlos Segundo.
En definitiva, esta puede ser la competencia directa y que superaría a las producciones de Disney, una historia que de verdad vale la pena ver, espero y se le haga justicia.
Buen inicio de año y mejor inicio de época de premiaciones.
Agatha All Along (2024) – Robert Lopez, Kristen Anderson-Lopez
Por Paulina Lucio.
Kathryn es una actriz que lleva más de 20 años de carrera que muchos calificarían como “normal” la podemos recordar en películas del tipo de “Cómo perder a un hombre en 10 días” (2003) “La vida secreta de Walter Mitty” (2013), participando en el doblaje de Hotel Transilvania, pero sobre todo recordamos su aparición en “Wanda Vision” (2021) una serie lanzada por Disney en la línea del Universo Cinematográfico de Marvel (MCU por sus siglas en inglés) en dónde Kathryn interpreta otra vez, un personaje secundario llamado Agatha, sin embargo vemos mucha influencia del personaje a lo largo de la serie y sobre todo una gran actuación de Kathryn.
Wanda Vision dio un vuelco a las series de Marvel y sobre todo se posicionó como uno de los spin off más vistos en los últimos años y es que pareciera que las películas de súper héroes nos han inundado hasta el cansancio pero las series son muy bien recibidas.
Al principio de la serie muchos pensamos qué Agatha era solo un personaje más, sin embargo nos sorprendieron con la importancia que toma conforme avanza la serie y era casi una obviedad que Agatha Harkenss, la bruja, tendría su propia serie lo que no vimos venir es cómo “Agatha, all along» se convertiría en un fenómeno, una serie muy vista y recomendada y sobre todo cómo es qué le abriría a Kathryn la puerta a la nominación en los Golden Globes, hay quienes abogamos porque la serie debió ser más tomada en cuenta en las demás categorías, pero qué también esperamos que Kathryn gane el premio a la mejor actriz en serie de televisión – comedia/ musical, cuya categoría en la cual está nominada.
En la terna podemos encontrar a Ayo Edebiri, Jean Smart, Kristen Bell, Quinta Brunson, Selena Gómez y desde luego a Kathryn Hahn, aunque pareciera complejo que Kathryn lograra la victoria, creemos qué su actuación merece ser reconocida, pues en este papel protagónico nos demostró su destreza actoral y la capacidad de interpretación que tiene.
Cómo dato extra Katrhyn es la cuarta actriz del MCU en estar nominada a los Golden Globes, estaremos pendientes para saber quién resultó ganadora.
Disclaimer (2024) – Alfonso Cuarón
Disclaimer es una miniserie de suspenso psicológico escrita y dirigida por Alfonso Cuarón, basada en la novela homónima de 2015 de Renée Knight. Se nos presenta una historia que inicia con una mujer llamada Catherine Ravenscroft (Cate Blanchett) en el papel de una exitosa documentalista, la cual recibe una novela escrita por un autor desconocido. Enfrentando su vulnerabilidad al descubrir en el libro que parece hablar sobre ella, lo que la hará verseobligada a enfrentar su pasado.
La serie nos trae tres historias entrecruzadas que saltan entre el espacio y el tiempo, abordando la particular conexión entre los protagonistas de cada una. Catherine, con un pasado ensombrecido por su éxito, al viudo Stephen Brigstocke, (Kevin Kline) que no olvida a su mujer y el hijo de este Jonathan, (Louis Partridge) quienes entran en comunión por extrañas casualidades para sacar a la luz los muertos que parecían estar enterrados desde hace mucho tiempo.
La continua tensión y angustia que siente el personaje de Cate Blanchett es constantemente transmitida a un sobrecogido espectador, que vacila en su juicio moral sin poder resolver si va a ser el correcto, pues en ningún momento se nos desvela la verdad.
A lo largo de 7 capítulos, se nos van mostrando múltiples puntos de vista de cada uno de los personajes, esto nos servirá como pequeñas pistas para ir armando el rompecabezas final de la trama.
Con un gran reparto que incluye a: Sacha Baron Cohen, Kodi Smit-McPhee, Louis Partridge, Leila George y Lesley Manville. Como directores de fotografía estuvieron el mexicano Emmanuel “El Chivo” Lubezki, por otro lado, el francés Bruno Delbonnel; quienes hicieron un excelente trabajo ayudando a la trama con las luces y sombras que lograron captar en cada una de las escenas. La banda sonora está a cargo de Finneas O’Connell, que con su música logró mantener ese ambiente de tensión y suspenso que se necesitaba.
Disclaimer nos muestra la narrativa como manipulación y como la mayoría de las personas emiten un juicio inmediato para construir víctimas y culpables según los intereses de cada quien.
La miniserie nos plantea que siempre hay otro lado de la historia, no importa de qué historia se trate, siempre hay otra perspectiva y estará cargada de subjetivismo.
The Substance (2024) – Coralie Fargeat
¿Alguna vez, has soñado con una mejor versión de ti misma? Más joven, Más hermosa, Más perfecta.
Este es el Slogan inicial que anuncia el tráiler del filme La sustancia, un slogan tan comercial como los anuncios de productos de belleza. Un Slogan que atrae y nos adentra junto con una estridente música de fondo. Brutalmente excepcional fue la llegada de la cinta La sustancia a las salas de cine, durante el año pasado.
Estrenada el 19 de septiembre en los cines de México, pero que ya había hecho su debut el 19 de mayo del 2024 en la 77° Festival Internacional de cine en Cannes, siendo este filme el ganador por el premio al mejor guion. Lo que puede ser un buen precedente para lo que puede ocurrir, no solo en la próxima premiación de los Golden Globes 2025, sino también en la próxima entrega de los Oscar 2025.
Todo detalle, toda escena, toda actuación, comienza a partir de la construcción de un buen guion. Y el director es el creador y el genio detrás de las imágenes de la película. Dentro de esa afirmación, la directora y guionista detrás de La sustancia Coralie Fargeat, nos ofrece en este filme un fuerte mensaje de confrontación contra la cultural sistemática de la hipersexualización en nuestros cuerpos femeninos.
Un guion no solo construido a partir de su experiencia individual, sino también basado en las inquietudes comunes y cotidianas de muchas mujeres. Con una violencia representada metafóricamente en el horror corporal, en donde Coralie supo utilizar ingeniosamente los efectos prácticos para recrear el efecto crucial que necesitaba transmitir su cinta.
La sustancia desde su estreno, es un filme que no ha sido desapercibido por la crítica. Y era evidente que no sería desapercibida en diversas nominaciones como los próximos Golden Globes 2025, en las categorías de “Mejor Guion”,” Mejor Dirección”, “ Mejor actriz Principal” y “Mejor actriz de Reparto”.
Se dice que este es el mejor trabajo de Demi Moore en toda su carrera. Quizás; tal vez ella pudo haberse visto a sí misma en este personaje. Ya que en ambos mundos, el real y el ficticio, Demi y Elizabeth, pueden coincidir en la misma inquietud que el mundo del entrenamiento las envuelve. Elizabeth a través de Moore, logra transmitir los sentimientos de inseguridad, vulnerabilidad y miedo. En cuanto a Margaret Qualley, a pesar de que ya contaba con algunas participaciones en otros trabajos, su actuación como Sue, ha sido la mejor revelación del año como actriz de reparto.
Todo elemento del filme está construido y conformado de tal manera para que Coralie pueda hacer valer el mensaje que intenta expresarnos. Valiéndose de lo visualmente bizarro a lo más hermoso, y de lo más oscuro a lo más brillante.
Anora (2024) – Sean Baker
Por María Fernanda Toral Suárez.
Ani o Anora (Mikey Madison) es una stripper que un día conoce en su trabajo a Vanya (Mark Eydelshteyn) quien la contrata en repetidas ocasiones hasta que un día le propone que se casen. Todo parece ir bien hasta que la familia de Vanya, los cuales forman parte de la oligarquía rusa, se enteran de la unión y mandan a sus empleados en Estados Unidos a disolver ese matrimonio.
El octavo largometraje del director estadounidense Sean Baker, vemos en un inicio a Ani en su vida cotidiana (el trabajo en el dance club,estando poco tiempo en su casa) y como Vanya llega a significar la promesa no solo de tener una pareja estable o dejar de trabajar sino también de subir de estatus económico/social. Todo ese comienzo pude percibirlo muy rápido, como sentimos cuando las cosas felices pasan, y después llega la cubeta de agua fría de la realidad. La segunda parte tiene escenas que se toman más tiempo en los diálogos y en cómo Ani va tomando conciencia de su lugar en la historia.
Esta película cuenta con un largo recorrido por festivales, que inició con el pie derecho ganando la palma de oro en el pasado festival de Cannes (de un jurado dirigido por Greta Gerwig), en la ceremonia de los Golden Globes está por 5 nominaciones incluyendo la categoría de mejor película comedia o musical, pero ¿Anora es una comedia o solo compite en esa categoría para que los jurados la acepten porque no es una película con fórmulas como las que actualmente se producen en Hollywood?
Les invito lectorxs que cuando tengan oportunidad de verla (o si ya la vieron) respondan esta pregunta.
Dune: Part Two (2024) – Denis Villeneuve
En 2021 se estrenó Dune, la más reciente adaptación de la novela homónima de Frank Herbert. Aunque mi único acercamiento previo fue un intento fallido de leer la obra, decidí aventurarme a verla, atraída por su elenco estelar y la promesa de que Denis Villeneuve, director de Blade Runner 2049, crearía algo espectacular. No me equivoqué: salí del cine completamente maravillada.
Afortunadamente, la aventura no terminó ahí. Este año se estrenó Dune Parte Dos, nominada a mejor película dramática en los Globos de Oro. En esta secuela, Paul Atreides enfrenta su destino como el elegido entre los Fremen, mientras nuevos personajes como el emperador, Feyd-Rautha Harkonnen y la princesa Irulan enriquecen la historia. Con aún más acción que la primera entrega, esta película superó las expectativas de muchos y dejó satisfechos a quienes ya éramos fans de la saga.
Uno de los mayores aciertos de esta franquicia es cómo sigue a la perfección una de las reglas básicas del cine: “Show, don’t tell”. Denis Villeneuve ha declarado no ser un gran fan del diálogo, y esto se refleja en su obra. Aunque no se trata de una película muda, los elementos visuales cargan la narrativa mucho más que las palabras. Cada escena transmite información clave a través de la cámara, los vestuarios, la puesta en escena y todo lo que vemos en pantalla.
La saga de Dune destaca por su rica construcción de mundos y personajes. La novela misma incluye un diccionario para ayudar al lector a seguir la historia, pero Villeneuve evita caer en la sobreexposición. Esto es prueba de su habilidad para contar historias complejas utilizando de forma maestra el lenguaje cinematográfico. Con esta adaptación, no solo ha hecho justicia a la obra de Frank Herbert, sino que ha elevado el cine de ciencia ficción a nuevas alturas.
A Different Man (2024) – Aaron Schimberg
Han pasado 30 años desde el debut de Sebastian Stan en la escalofriante 71 fragmentos de una cronología del azar (1994) de Michael Haneke, una reflexión intensa sobre las paradojas de la maldad; con el tiempo, Stan afianzó su carrera en algunos roles secundarios en películas y series de televisión, hasta la llegada de la fama inevitable, gracias a su papel como Bucky Barnes / Winter Soldier en el universo cinematográfico de Marvel.
Pero es en A Different Man (2024) del director norteamericano Aaron Schimberg, donde Sebastian Stan ha tenido la oportunidad de demostrar su tremenda capacidad histriónica, dentro de una trama que fusiona las preocupaciones existenciales de Charlie Kaufman, el humor negro de Todd Solondz y los embrollos del cine de Woody Allen.
Edward Lemuel (Sebastian Stan) es un actor neoyorkino que padece neurofibromatosis, condición que le provoca deformidades en el rostro. Lidiando con una existencia triste y solitaria, un día conoce a Ingrid Vold (Renate Reinsve, la estrella de la inolvidable La peor persona del mundo, 2021), una vecina que lo mira con ternura y lo acepta tal como es. Edward se somete a un tratamiento que cambia radicalmente su aspecto, adquiriendo la nueva identidad de Guy Moratz.
Su nuevo rostro se convierte en pesadilla cuando se reencuentra tiempo después con Ingrid y descubre que ella está produciendo una obra off-Broadway llamada Edward, en la que se describe su pasado como un hombre inseguro y deforme. Cuando entre a escena Oswald (Adam Pearson), un actor que también presenta neurofibromatosis, pero que tiene una actitud relajada y extrovertida, Edward comenzará a resquebrajarse mentalmente, perdiendo todo lo que hasta ese momento pensaba tener; el protagonista recibe una lección sobre lo inútil que es cambiar por fuera si el interior sigue corrupto.
A Different Man es una sátira inteligente sobre la belleza y la hipocresía de la sociedad, un laberinto metanarrativo donde a Sebastian Stan se le coloca una máscara para deformarlo, mientras Adam Pearson (actor con neurofibromatosis real, que ha participado en programas para prevenir el acoso escolar) brilla como un ser carismático y seguro de sí mismo, enalteciendo el mensaje de la película, sobre las virtudes de la belleza interior, que nada tienen que ver con las apariencias externas, regularmente, falsas.
En el Festival de Cine de Berlín, la cinta compitió por el Oso de Oro y ganó en la categoría de Mejor Interpretación para Sebastian Stan, quien hoy está nominado en los Golden Globes como Mejor actor principal en una Comedia o musical. Producida por el estudio A24, A Different Man enfatiza la idea de que nada es lo que parece y que los conceptos de gracia y perfección, siempre son relativos.
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