El cine de terror nos atrapa en un torbellino de emociones. Cada película nos invita a explorar nuestros miedos, y a través de los años, el género también ha reflejado las inquietudes de cada época, desde el horror gótico de los años 30 hasta el terror psicológico de los últimos años, cada generación aporta su propia perspectiva, explorando nuevas formas de asustar y cautivar a los amantes del género. Acompáñanos en este recorrido por el fascinante mundo del cine de terror.
La Bruja (1954) – Chano Urueta.
El tribunal de la noche te ha convocado. La justicia será servida. Tú, como hermano de la noche, decidirás si el indigno vive o muere. Tú y decenas más de desvalidos, abandonados, lisiados, mudos, sordos, deformes, infames, fenómenos, desterrados serán la guillotina que hará su cabeza rodar.
Aquel ruin ser ha sido un corruptor de la vida. Merece sufrir, merece morir. Grita, reclama, protesta. Hoy no hay límites, el castigo será otorgado. Empodérate con la violencia. Muestra en tu rostro la furia, la rabia, la saña – vociferó (al menos dentro del ejercicio hipotético que realiza este servidor) un excitado Chano Urueta a uno de los tantos extras de su filme La Bruja.
La Bruja es un filme que hoy podemos alojar dentro del infame bizarro mexicano, ese estilo de cine que prosperó con tanto brío en la década de los 50s, 60s y parte de los 70s.
Chano Urueta, el prolífico cineasta mexicano, en 1954 adaptó esta historia de Alfredo Salazar para llevarla a la pantalla grande.
A estas alturas Urueta traía consigo un extenso bagaje cinematográfico que incluía haber trabajado en los afamados estudios RKO en Hollywood, haber asistido a Eisenstein durante el rodaje de ¡Que viva México! y 21 años de carrera como director en el cine mexicano, dándole la habilidad magistral de dirigir este filme tan oscuro y absurdo que nos regala un viaje sin escalas hacía la demencia.
Dotado de un enarbolado histrionismo teatral ejecutado, en su mayoría, por el trio protagonista –Lilia Del Valle, Ramón Gay y Julio Villarreal- este filme encuentra su mayor virtud en la forma en la cual Urueta retrata los rostros de los personajes.
Sin importar si es a través de close-ups o planos abiertos, Chano Urueta utiliza las facciones de sus actores para dibujar los entresijos de esta historia altamente excéntrica.
Testamento de esto son las escenas de los juicios protagonizados por el tribunal de la noche, en las cuales tanto acusados como verdugos narran la acción con pleno uso de sus rostros potenciados por la brillante dirección de Urueta que explota los ángulos y encuadres en favor de la empatía y la culpa.
La Bruja es un filme excepcional. Raro y efímero pero lo suficientemente valiente como para retratar la condición humana con absurda crudeza.
El Teléfono (2020) – Lee Chung-Hyeon
La creación del teléfono fue una completa revolución en la comunicación, se evidenció como las distancias espaciales eran reducidas, permitiendo hablar con cualquier persona sin estar presente en la misma habitación, sin embargo, ¿es posible también romper la barrera temporal, por ejemplo, hablar con alguien del pasado? Una parte de la respuesta la podemos encontrar en El teléfono, una película surcoreana de terror psicológico dirigida por Lee Chung-hyun, que nos presenta a Seo-yeon una joven que regresa a la antigua casa familiar, durante su estadía empieza a recibir llamadas un poco inquietantes y confusas de otra joven, pero rápidamente Seo-yeon descubre que la joven quien llama es Young-sook, una “vieja” habitante de la casa que llama desde 1999, 20 años en el pasado.
A partir de ese momento el pasado, presente y futuro de Seo-yeon y Young-sook empieza a transformarse, y los cambios más sencillos en el pasado pueden tener fuertes consecuencias en el presente. Un simple cambio como apagar la estufa posibilita que la vida de Seo-yeon de un giro de 180 grados, sin embargo, la felicidad de la cual goza Seo-yeon empieza a incomodar a Young-sook, pero esto acabará cuando Seo-yeon descubre que Young-sook puede estar en peligro, aunque salvarle la vida a su amiga puede traer resultados inesperados.
Por otra parte, en Young-sook se despierta un instinto despiadado y retorcido, que hará todo lo que sea necesario para tener un futuro favorable y no dudará en llevarse por delante a quien se lo impida, lo cual convierte a Seo-yeon en una amenaza. Seo-yeon deberá impedir que Young-sook se salga con la suya mientras intenta mantener con vida a su familia, de este modo el poder de la información y el tiempo cobra mayor importancia, pero ¿quién tiene la ventaja, Young-sook o Seo-yeon? Ganara solo aquella que sepa jugar mejor sus cartas.
Un teléfono y una casa pueden ser la puerta de entrada para que la vida de dos personas cambie de una manera perversa y macabra, con situaciones inquietantes, giros inesperados y un final interesante hace de El teléfono una película emocionante y angustiante que nos lleva a revaluar el poder de nuestras decisiones, pero sobre todo a quien le damos el poder de cambiar nuestra vida. Por último, un consejo: eviten contestar llamadas de desconocidos, podría cambiar su presente o su pasado, y no necesariamente para bien.
TETSUO: El Hombre de Hierro (1989) – Shinya Tsukamoto
Cuando empecé a interesarme por los cines asiáticos había un nombre que resonaba cuando se hablaba del género del horror y sus derivados en la parte nipona: Shinya Tsukamoto. Una leyenda que tenía su primer largometraje en cualquier lista de las mejores cintas de terror jamás creada y con un presupuesto demasiado limitado que a cualquiera que la vea se le vuela la cabeza preguntándose “¿cómo realizó esto?”.
TETSUO (鉄男, Hombre de Hierro, 1989) fue mi introducción al cine de Tsukamoto, que, si bien gran parte de su filmografía comparte un estilo y una idea parecida, su ópera prima esclarece las ideas que Tsukamoto reflexiona sobre el Japón contemporáneo. La trama sigue a un salaryman japonés que atropella a un hombre fetichista del metal, y conforme pasan los días el salaryman empieza a hacer una especie de simbiosis con el fetichista, al punto donde se fusionan y deciden dominar el mundo.
Cuando se realizó la película, Japón estaba pasando por una crisis post-Segunda Guerra Mundial donde el país empezó a abrirse económicamente al mundo. En el auge de la computación y el uso tecnológico de la posmodernidad, la simbiosis entre el salaryman y el metal representa la crisis cultural entre lo tradicional, lo moderno y lo posmoderno.
Cargada de un montón de referencias psicoanalíticas, TETSUO fue un parteaguas del cyberpunk y del body horror llevado a otros extremos estéticos que influyó y contribuyó a las nuevas lecturas sobre Japón en una época de globalización e hiperconsumo tecnológico donde el ser humano y la máquina dejan de ser complementos para volverse uno mismo.
Huesera (2014) – Michelle Garza Cervera
Por Paola Nayeli Martínez Aguilar
En 2022, la directora mexicana Michelle Garza Cervera debutó con Huesera, ópera prima de terror psicológico que sigue la historia de Valeria, una joven que, tras varios intentos, logra quedar embarazada. A partir de ese momento, comienza a experimentar visiones sobrenaturales que la acompañan a lo largo de su proceso para convertirse en madre.
¿Por qué el terror irrumpe en su vida justo en ese instante? La relación entre ambos eventos parece indudable. Por una parte, el horror se manifiesta a través de visiones aterradoras de enormes arañas y de figuras humanas sin rostro que persiguen a Valeria mientras se contorsionan hasta quebrarse los huesos. Por la otra, Valeria enfrenta la nueva etapa de la maternidad con un horror que se niega a reconocer.
Aparentemente, su vida marchaba como lo había deseado: logró convertirse en una mujer independiente, tenía una pareja, mantenía una vida con hobbies, vicios y de plenitud sexual. Su sendero era “el correcto», el de las convenciones sociales, algo que su antigua pareja de la juventud, Octavia, le recrimina. Su terror radica en el sacrificio que la maternidad le impone al ceder sus espacios a una criatura por la cual no siente el amor que la sociedad espera que ella le dé.
Este conflicto se intensifica en la soledad, ya que Valeria no comparte explícitamente el pavor que atraviesa ni con su pareja ni con su familia, probablemente porque al hacerlo sería reprobada por ellos. No obstante, hay momentos inevitables en los que las apariciones la hacen parecer mentalmente inestable y, a los ojos de los demás, poco apta para asumir el nuevo rol de madre.
A medida que Valeria se deteriora física y mentalmente, sus propios huesos resienten la ansiedad. Se ve orillada a recurrir a prácticas oscuras, muy propias de la cultura mexicana, para recuperar a su hija y liberarse a ella misma; su viaje culmina en un desenlace trágico e injusto, uno en el que, una vez más, el sacrificio recae sobre ella y no sobre su pareja, quien resulta ser el gran ganador.
Aunque la película aborda claramente temas feministas y progresistas, lo hace de manera tan hábil que la crítica a una sociedad machista no prevalece en la historia principal, más bien sirve como un canal de empatía para muchas mujeres.
El estigma social por no sentir un amor vehemente e incondicional por la maternidad está profundamente arraigado. Por ello, resulta atinadísimo que una joven directora haya visto que este tema encaja perfectamente en el género de horror.
Get out (2017) – Jordan Peele
Por Aura Metzeri Altamirano Solar.
Get out, es una de esas cintas cuyos cambios de tono desorientan, nos cuenta la historia de Chris, un fotógrafo afroamericano nervioso por ir de viaje con la familia (blanca) de su novia, Rose cotidianeidad que se tornará en una angustiante crítica social.
Chris se encontrará con comentarios bastante inquietantes hacia su raza, no obstante, la historia toma un tono psicológico cuando, Missy, la madre de Rose hipnotiza a Chris para supuestamente ayudarle a dejar el tabaco. En el trance, Chris revela la culpa que siente por la muerte de su madre, a partir de aquí Missy utilizará esta experiencia traumática para dejar a Chris en “el lugar hundido”, una suerte de cárcel psicológica paralizante.
Nos daremos cuenta que Chris ha sido atraído ahí únicamente por una admiración insana de sus capacidades. La familia de Rose, durante una fiesta cuyos asistentes son oligarcas blancos, “subasta” a Chris, manejandolo únicamente como un cuerpo, pues Dean, padre de Rose, un neurocirujano talentoso, ha descubierto la manera de transferir la consciencia y apropiarse del cuerpo, consiguiendo una forma retorcida de inmortalidad. El papel de Missy consiste entonces, en generar condiciones adecuadas para “retraer” la conciencia.
A través de la cinta, conoceremos distintos personajes cuyos procesos de transferencia de consciencia han sido completados, un comportamiento inusual y robótico se ancla a los personajes afrodescendientes. El más interesante de ellos, es el de Logan, un asistente de la fiesta, casado con una mujer blanca mucho mayor que él y cuya conciencia parece despertar por un momento al tratar Chris de fotografiarlo, esto le hace salir del trance y advertirle que huya.
La familia Armitage hará todo lo posible para mantener a Chris y cumplir con la venta concretada en la subasta, hacia el final de la película, Jeremy, hermano de Rose, se admite como otro componente de aquella trampa mortal. Mientras Rose atrae a los nuevos “cuerpos” a través de relaciones, Jeremy simplemente los secuestra. Es así que Chris se da cuenta que Logan era en realidad, una persona desaparecida, descubriendo horrorizado la verdadera razón de su visita y la insistencia de su novia, Chris deberá escapar, recuperar su consciencia de la cárcel psicológica por el trance hipnótico, y buscar la forma de que su historia tenga credibilidad. Esta cinta funciona a varios niveles y en diversos matices, aunque llena de simbolismo, retrata una realidad innegable para muchas personas.
Ju On (1998) – Takashi Shimizu
A finales de los años 90 e inicios de los 2000 surgía la moda del J-Horror, el terror nipón se ponía de moda en buena parte del mundo, el éxito internacional de ‘The Ring’ (Ringu) (1998), dirigida por Hideo Nakata despertó la curiosidad del público occidental.
La rival en éxito de ‘The Ring’ fue “Ju On La maldición” (2002). La cinta dirigida por Takashi Shimizu misma que trinfuo a nivel internacional antes de que se le hiciera el tradicional remake hollywoodense.
‘La maldición’, conocida también por su nombre en japonés, ‘Ju-On’, o en inglés, ‘The Grudge’, cuenta la historia de cómo los fantasmas de Kayako y su hijo Toshio acaban con la vida de todo aquel que entra en la casa donde moraron hasta su muerte. Sus espíritus están llenos de odio y rencor, al haber sido en vida asesinados con una extrema violencia por parte de Takeo, marido de Kayako y padre de Toshio.
Ambos fantasmas, los de Kayako y Toshio, se han convertido en todo un icono del terror japonés, superando incluso en popularidad a Sadako, la joven del pozo que abrió la veda al subgénero en Occidente.
Todo comenzó con la producción de dos cortometrajes dirigidos por Shimizu en 1998 titulados ‘4444444444’ y ‘Katasumi’. El realizador mostró a sus 26 años su potencial para el terror. Ambos cortos formaban parte de la antología de terror ‘Gakkô no kaidan G’, estos realizados a propuesta de Kiyoshi Kurosawa, quien era su profesor en la Escuela de Cine de Tokio donde se dio cuenta que su alumno tenía el talento requerido para ser un referente del género.
Pese a durar apenas tres minutos, el éxito de ambos cortos fue tal que Shimizu continuó explorando el trasfondo que existía en los dos espíritus obsesionados por el rencor y la ira con dos películas hechas para su lanzamiento directo a video, igualmente el éxito que le dio la recomendación de persona a persona lo llevo a recrearlas para formato cine. Estas cintas junto con las de Ringu, son las más aclamadas del cine de terror nipón.
Lamentablemente no están disponibles en streaming, aunque hay copias de mala calidad que están subidas a You Tube, recomiendo buscarlas en físico.
Feliz noche de brujas…
Hellraiser (1987) – Clive Barker
Hellraiser, o cuando el cine de horror se usa como alegoría
En 1987 se estrenó Hellraiser, conocida en español como Puerta al infierno, escrita y dirigida por Clive Barker basándose en su propia novela corta, The Hellbound Heart. Cuenta la historia de la familia Cotton y sus encuentros con un grupo de seres sobrenaturales que los atormentan y asedian a ellos y otras víctimas a lo largo de nueve secuelas y un remake. Pero, ¿qué yace en el corazón atormentado de esta historia?
Podría decirse que el protagonista es el “villano”, Frank Cotton. Al inicio lo vemos en un mercado clandestino, adquiriendo un objeto extraño: una especie de cubo Rubik diabólico al cual más adelante se le llamaría configuración LeMarchand o configuración de lamentos. Al modificar su estructura, abre una puerta a otra dimensión de la cual salen cuatro cenobitas, seres deformes con grotescas heridas abiertas y modificaciones corporales, vestidos con trajes de cuero negro, que lo torturan usando cadenas y objetos punzocortantes hasta desgarrarlo y hacerlo desaparecer, con la intención de darle el máximo placer mediante dolor.
Tiempo después, su hermano Larry y la esposa de éste, Julia, ocupan la casa donde Frank desapareció sin que nadie lo supiera. Nos enteramos mediante un flashback que Julia tuvo un amorío con su cuñado apenas después de haberse casado con Larry. Evidentemente, su matrimonio no va bien. Durante la mudanza, Larry se hace una herida y su sangre, derramada en el suelo del ático donde su hermano desapareció, hace que éste vuelva como un despojo humano, una criatura hecha de huesos y órganos pútridos que revela a Julia su presencia y le pide ayuda en traer víctimas humanas para absorber su esencia vital y seguir así reconstruyéndose. También está por ahí Kirsty, hija de Larry de un matrimonio anterior, quien combate al “mal” representado por los cenobitas y su tío Frank.
Barker, el autor y director, es gay. Mas cuando hizo esta historia, seguía “en el clóset”. Hay quienes dicen que sus obras eran más intensas antes de que “saliera” y esta película se puede ver como una alegoría de su homosexualidad reprimida. Frank es un hombre atractivo que puede tener a cualquier mujer, incluso a la recién casada esposa de su hermano, pero no es suficiente. Decide jugar con algo en apariencia inocente que termina destruyéndolo y convirtiéndolo en un monstruo. La película está llena de símbolos que pueden interpretarse bajo esta noción, dejándonos ver el alma atormentada de Barker tras ella.
The Invitation (2015) – Karyn Kusama
Dirigida por Karyn Kusama «The Invitation» nos presenta a Will (Logan Marshall-Green), quien es invitado a una cena en casa de su exesposa Eden (Tammy Blanchard) y su nuevo esposo, David (Michiel Huisman). Will y Eden compartieron un matrimonio feliz, pero la trágica muerte de su hijo afectó irreversiblemente su relación, lo que llevó a Eden a desaparecer de la vida de Will. Ahora, tras su regreso, después de dos años en los que nadie supo de ella, Eden ha cambiado, se muestra feliz y ha adoptado una filosofía y creencias que Will no logra comprender.
La tensión crece a medida que los invitados se sumergen en conversaciones sobre la pérdida, muerte y redención lo que lleva a Will a sospechar que sus anfitriones esconden un siniestro secreto.
Desde el inicio de la película, la tensión en el ambiente es evidente. Como espectadores, sentimos una fuerte sensación de opresión y claustrofobia, no solo porque la trama se desarrolla en un único lugar, lo que acentúa la impresión de que no hay salida, sino también porque es fácil experimentar la tensión a través de los ojos de Will, su dolor y desconfianza resuenan con nosotros, invitándonos a cuestionar junto a él lo que está sucediendo y a sentir su angustia.
En la película se exploran temas complejos relacionados con el duelo, Will representando el duelo no resuelto y en Eden se muestra un enfoque más optimista y de aceptación que para Will no tiene sentido, resaltando como el dolor no solo afecta a uno mismo sino también las relaciones interpersonales.
Si buscas una historia bien elaborada con giros inesperados y llena de tensión y misterio, no te puedes perder «The Invitation». Esta película te atrapará desde el principio, manteniéndote al borde del asiento con su intrigante trama.
Funny Games (2007) – Michael Haneke
Cuando pensamos en vacaciones lo relacionamos con relajación y bienestar pero nunca sabemos con quién podemos toparnos en el camino hacia el descanso. ¿Cuál es la posibilidad de que unos jóvenes vestidos de blanco se planten frente a ti y decidan que serás la víctima de su juego sádico de manipulación psicológica y violencia física?
Funny Games (2007) es el remake de la versión de 1997, ambas dirigidas por Michael Haneke. Siendo esta cinta un referente del subgénero “Home invasion”, durante 112 minutos presenciamos una macabra pesadilla: una familia decide tener un momento de desconexión en una casa que pareciera ser un lugar de tranquilidad, hasta que unos jóvenes vestidos de blanco (una burla a la pureza) aparecen de la nada, comenzando a jugar con las mentes de los inquilinos hasta que revelan la terrible realidad: el reto es que, para el día siguiente, a las 9am todos estarán muertos.
Parece que lo terrible de la película no es solo la violencia que presenciamos hacía la familia, ni las humillaciones o la desesperación que sufren por tratar de escapar, sino que como espectadores nosotros también somos parte del juego. Haneke nos incluye con escenas donde los asesinos rompen la cuarta pared y nos dirigen la palabra, nos fuerzan a no despegar la mirada y estar atentos a su siguiente acto. Hay un momento de tensión que nos deja frikeados: Paul, uno de los chicos sádicos, menciona que ellos apuestan a que para el día siguiente la familia estará muerta, mientras que las víctimas no quieren apostar. Es ahí cuando Paul voltea a la cámara y nos invita a apostar: “¿Ustedes que creen? ¿Que tienen una oportunidad? Están de su lado ¿no? ¿A quién apoyan?”
Y no teniendo suficiente con forzarnos a ver el “funny game”, Haneke nos deja un amargo sabor de boca cuando nos muestra que el destino no puede ser cambiado: en otro momento de la cinta, Paul y Peter, los chicos sádicos, casi son eliminados pero rebobinan su realidad usando un control remoto y cambian la situación continuando así con su plan.
Funny Games (2007) es un filme que te deja con una sensación de frustración, peor aún con el miedo de ser el siguiente objetivo de Paul y Peter… ¿ya cerraste bien tus puertas? ¿Conoces a tus vecinos?
Men (2022) – Alex Garland.
Escrita y dirigida por Alex Garland, Men (2022) es una película de terror folklórico en donde los monstruos no son nada más ni nada menos que los hombres. La protagonista, Harper, interpretada por la talentosa Jesse Buckley, decide tomar unas vacaciones en una casa de campo en Inglaterra después del fatídico suicidio de su esposo. La belleza del paisaje y de la misma residencia es la perfecta fachada que oculta los tétricos secretos del lugar.
Pronto se hace evidente que los únicos habitantes de aquel lugar son hombres, lo que pone a la protagonista en una situación sumamente vulnerable que no tarda en manifestarse: un hombre desnudo la sigue hasta su casa, las autoridades ignoran sus llamadas de auxilio, un niño la agrede verbalmente y un sacerdote le dice que el suicidio de su marido fue culpa suya por no perdonarlo después de que este la golpeara. De este modo, Harper se ve aislada en un entorno hostil gobernado por hombres, en donde se ve constantemente vulnerada y buscando como defenderse, un reflejo de su propio matrimonio ¿Suena familiar?
La película toma un giro bastante surrealista al final a modo del subgénero de terror “invasión domiciliaria” en donde todos los hombres con los que se encontró a lo largo de la trama resultan ser la misma persona. Ajá, porque todos los hombres son iguales. Lo cierto es que la metáfora con la que trabaja Alex Garland es bastante obvia pero, en mi opinión, ejecutada de una manera efectiva. Sí, puede molestar a muchos, pero de eso se trata el cine de terror ¿no? De confrontar y amenazar a su audiencia. Además, lo cierto es que también puede resultar bastante familiar y catártica para otros, tanto por sus temas de violencia de género y abuso doméstico como la atmósfera asfixiante y amenazante en la que sumerge a su personaje principal, la cual parece casi imposible de escapar.
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