Especial del mes: Premios Oscar 2023

Las plumas de las/los integrantes de nuestra comunidad, escriben sobre las películas nominadas en la 95.ª edición de los Premios Oscar, a celebrarse el próximo 12 de marzo.

Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades – Alejandro González Iñárritu

Por J.R. Nava

A lo largo de la historia del cine se ha llegado a ver a ciertos cineastas realizar una obra cuya conexión personal sea palpable, este es el caso de BARDO, Falsa crónica de unas cuantas verdades. Dirigida por el legendario cineasta mexicano Alejandro González Iñárritu, BARDO nos habla de Silverio, un experimentado documentalista que llega al punto cúspide de su carrera, en donde se le presentan varias reflexiones sobre la fama, su vida, su carrera, su familia, entre otros, a modo de introspecciones. Sin ánimos de anticipar más sobre la trama, centraré este escrito en lo que ésta me hizo sentir, aunado a ciertos pensamientos que me surgieron mientras la veía y mientras escribo esto.

La cinta no se puede encasillar en el termino de “convencional”. Siendo sincero, no es una innovación, mucho menos una revolución, pero si es una magnificación de lo personal y lo real. Durante todo el metraje, vemos momentos que juegan con un realismo mágico poco visto en el cine de Iñárritu. La historia general de esta película no es constante, y tampoco busca serlo, es irreverente y exorbitante, tenaz con los valores personales de Silverio, pero feroz con los pensamientos que éste tiene. Te hace pensar que lo que estás viendo no es real, que es más que un simple sueño, pero al final, terminas por comprender que el viaje de su vida nunca terminó, simplemente acaba de iniciar.

Tár – Todd Field

Por Armando Navarro

3 películas en 21 años le han bastado al director Todd Field para plasmar en la pantalla la corrupción que resquebraja a la condición humana. Si en Crimen imperdonable (2001) fue la tragedia del amor campirano y en Secretos íntimos (20026) el juego de infidelidad latente, en Tár (2022) se trata de desplegar las complejidades del poder sostenido por la fama y el éxito; el más talentoso y respetado de los seres humanos, siempre puede sucumbir ante los placeres de la carne y la manipulación.  Lydia Tár es una directora de orquesta con una vida idílica, tiene una familia estable, da clases en Nueva York y está a punto de conseguir un gran triunfo profesional. Cuando se descubran las turbulentas acciones (y relaciones) que involucran predilección por ciertas integrantes de su orquesta, la protagonista se irá desvaneciendo entre lo efímero de la fama y su alma corrupta.

La portentosa actuación de la siempre impecable Cate Blanchett, dota a su personaje de todos los elementos necesarios para volverla un ser ambivalente, reflejo de las tentaciones que se experimentan en cualquier nivel socioeconómico y cultural. Porque Tár es una inquietante obra contemporánea que desdobla un tema vigente y doloroso, atemporal gracias a un guion magistral que comienza lánguido y termina explosivo, igual que la actuación de Blanchett. Multipremiada ya en distintos certámenes, Tár es flamante nominada en 6 categorías del Premio Oscar (mejor película, guion original, dirección, actriz, fotografía y edición). Todd Field dijo haber escrito el guion específicamente para Cate Blanchett, simbiosis artística que provoca escalofríos en su elegante mirada a la perversión que carcome cuerpo y psique. Quizá sea demasiado pronto para decir que el tercer filme del director Field es una obra maestra, sinfonía despiadada que en 158 minutos, deprime y fascina por igual.

Sin novedad en el frente – Edward Berger

Por Evelyn Yobana Loya

Dirigida por Edward Begers, nos cuenta la historia Paul Baumee y sus amigos, que se enlista para combatir en la guerra (Segunda Guerra Mundial). Es una película más de tantas qué hay sobre este acontecimiento histórico, y que no se me mal interprete, claro que es buena, las actuaciones, la escenografía, los montajes, el guion, etc, son buenos, son desgarradores emocionalmente, se demuestra una vez más, la capacidad que tiene el ser humano con tal de ganar una guerra.

Su fotografía es simplemente espectacular, yo no podía dejar de maravillarme con el paisaje, es una verdadera obra de arte, puedes ponerle pausa en cualquier escena y tendrás una fotografía impecable; pero, sigue siendo otra película sobre la Segunda Guerra Mundial, es otro testimonio sobre la incomprensible mente de quienes permiten que menores de 18 años en adelante, se apunten a participar en una guerra, que no les corresponde, bajo un lavado de ideas nacionalistas, perspectivas heroicas sobre la guerra y miedo a defraudar.

Es una película que siento, que ya he visto, es lo mismo, tenemos miles de ejemplos: Jojo Rabbit, Hasta el último hombre, El saco de canicas, El fotógrafo de Mauthausen, El pianista, etc, la argumentación y protagonistas será diferente, pero todas, giran en torno a los mismo. No hay algo nuevo en dicha trama, en el sentido, de algún descubrimiento impactante en relación a las atrocidades de esta guerra; es solo acompañar en cómo van a sobrevivir estos chicos junto con Paul, y como van desilusionándose al darse cuenta, que la guerra no es heroica y la vida es frágil, ¿esto no suena familiar? Reiteró, no es mala la película, solo que es algo que ya he visto y escuchado, su fotografía es lo que más sobresale y destaca, pero hasta ahí.

The Fabelmans – Steven Spielberg

Por Diego Espinosa Gtz.

“The Greatest Show on Earth” se lee la primera vez que Sammy es llevado por sus padres Mitzi Fabelman (una espectacular Michelle Williams) y Burt Fabelman (una despedazadora interpretación de Paul Dano). Antes de entrar, su padre le explica técnicamente lo que está a punto de ver en pantalla, mientas su madre le dice que las películas son como sueños. Ese es Spielberg explicándonos de manera sencilla lo que es el cine, lo que ocurrirá después, nos mostrará sus posibilidades.

Sammy, -alter-ego de Steven Spielberg-, crece obsesionado con hacer películas. A lo largo de su infancia y adolescencia, vemos desde sus primeros acercamientos a la cámara, sus primeros cortos caseros, hasta los primeros que grabó con amigos, en una especie de calentamiento para lo que vendrá más adelante. Todo está ahí, los temas que lo han obsesionado a lo largo de su trayectoria como director y hasta los sub-textos que no muchas veces son conscientes para el espectador, que es en realidad el gran protagonista de la película, el lento desmoronamiento del matrimonio de sus padres.

En el cine hay control sobre lo que ocurre en pantalla y Spielberg nos muestra la potencia del cine como un medio re significador de la memoria, y no solo como una herramienta que la dota de veracidad. De ahí que en la escena que me parece de las más meta e importantes del filme, Sammy enfrente al bully de su escuela confesándole que solo quería que fuera bueno con él, aunque fuera solo por un momento. Hacer películas como entretenimiento, como una especie de llamada para ganarse el cariño y la simpatía del espectador.|No se trata de una obra con el cuidado que una autobiografía tendría, sino de una autoficción, que nos muestra cómo nos gustaría que fuera -o hubiese sido- la vida. Porque al final, qué es el cine sino una máquina de sueños, pero sobre todo, de mentiras.

Babylon – Damien Chazelle

Por Víctor Rivera Córdova

En 1959, Kenneth Anger, el gran director de cine artístico y experimental, publicaría en Francia un libro atípico en su estilo, pero de gran impacto para la historia del cine titulado Hollywood Babylon. En este libro, Anger recopilaría algunas de las historias más sórdidas de la industria cinematográfica y de sus estrellas, muchas de las cuales pertenecieron al periodo mudo del cine, y cuyos nombres volvían a resonar gracias a las polémicas historias que sobre ellos se narraban.

Damien Chazelle, reconocido cineasta estadounidense y con películas de muy buena factura, compite en los premios Oscar de este año con Babylon (2022), en las categorías de mejor vestuario, mejor diseño de producción y mejor banda sonora. Directamente inspirada en el libro de Kenneth Anger en cuanto al tono mordaz y ácido de este, además de la inspiración del mismo título; Babylon es sin embargo una obra en la que Chazelle navega en aguas desconocidas en cuanto a un argumento que esta vez ya no desarrolla de forma lineal, sino que tiende a una narración coral, donde las historias narradas, al final terminan desentonando en los diversos estilos narrativos, momentos dramáticos y de comedia que su director intenta imprimirle. Áreas como la dirección, el guion, el montaje y algunas de las interpretaciones, llegan a ser los puntos débiles y faltos de comunicación de una obra que hace honor en estos aspectos al origen bíblico de su título.

Sin embargo, el público objetivo principal de esta película es el público cinéfilo conocedor de todas las historias del Hollywood de esta primera etapa a las que Chazelle hace referencia directa, gran parte de los cuales están mencionados en la obra de Anger y que en la obra de Chazelle encuentran un escenario para interactuar de manera alegórica y algunas veces casi explícita. Es de destacar entonces que en su obra más reciente, Chazelle no busque defender sus méritos como realizador, sino desarrollar una historia, con muchos errores en su realización, pero con un gran aplomo en su intención de desmitificar a una industria que conoce muy bien y que hasta el día de hoy mantiene tropos que solo han evolucionado en sus apariencias más superficiales.

Le pupille – Alice Rohrwacher

Por Romina Hernández

La rebeldía toma la forma más inocente en este cortometraje dirigido por Alice Rohrwacher, nominado a los Oscars 2023. Basada en las cartas de la escritora Elsa Morante durante el franquismo italiano, la historia se enfoca en una niña dentro de una casa hogar dirigida por monjas, que tras poner música por accidente tras quitar el discurso oficial de Navidad por parte del estado, ocasiona que todas las niñas sean aleccionadas por haber escuchado una “canción vulgar y pecaminosa” y es acusada ella misma de ser desobediente. Cuando más tarde una mujer lleva un pastel enorme a las niñas para que rueguen porque su amante vuelva con ella, el pastel se convierte en una lección de “autosacrificio”.

Le Pupille no sólo habla de esas “pequeñas tiranías” instauradas bajo las más grandes, sino también, de la capacidad innata de rebelarse contra ellas con acciones pequeñas, aunque al final rebeldías como ésta son capaces de transformar sistemas en favor de una verdadera humanidad. De la manera más dulce y divertida.

Pinocho – Guillermo del Toro

Por Marisela Sánchez

Guillermo Del Toro codirige esta película con el animador y director Mark Gustafson, utilizando la técnica de animación cuadro por cuadro nos deleitan con una historia con espíritu propio, que aunque toca temas realmente profundos como la muerte, la guerra y el sentido de pertenencia, se puede disfrutar en familia.

La historia original del cuento clásico de Pinocho fue creada por el autor italiano Carlo Collodi entre 1881 y 1883 y ha tenido más de treinta adaptaciones libres a través de los años, sin embargo, Guillermo del Toro nos ofrece una perspectiva distinta a lo que hemos visto antes, reinventando por completo al popular personaje.

En versiones anteriores de esta historia nos han presentado la expectativa que como adultos tenemos de los niños, mostrándonos el ideal del niño perfecto, aquel que se porta bien y obedece a la primera. Guillermo del Toro indaga en la infancia de una manera más profunda, con un Pinocho rebelde y desobediente pero que a su vez es muy inocente y curioso, y más que una figura autoritaria necesita de un guía que lo ayude a adaptarse al mundo al que llegó y lo acompañe en su trayecto.

Otro rasgo tan particular de esta película es que Pinocho aunque quería formar parte del mundo jamás tuvo el deseo de cambiar para encajar, él se aceptaba como era y lo único que quería es que los demás se animaran a conocerlo y lograran aceptarlo aunque sea diferente.

El trabajo técnico es impecable, logra hacer que olvidemos que estamos viendo marionetas controladas por humanos, los personajes tienen movimientos tan naturales que parecen tener vida propia.

Guillermo del Toro defiende la animación como forma de arte y por años ha apoyado la animación en México, es por eso que fundó El Taller de Chucho, un estudio de animación ubicado en Guadalajara, en donde se realizó parte de esta película.

Turning Red – Domee Shi y Lindsey Collins

Por Alonso González

Nominada a mejor película de Animación y estrenada en marzo de 2022 en plataformas digitales, Red dirigida y escrita por Domee Shi nos adentra en la cultura china para presentarnos la historia de “Mei” (en la voz de Rosalie Chang) quien cuya dulce infancia se verá atormentada por el caos de la adolescencia.

A lo largo del filme Domee Shi nos presenta una familia china funcional que habita en Toronto, Canadá, ambientada a principios de los años 2000 seguimos la vida de Meilin Lee “Mei” una estudiante de secundaria que está atravesando por los típicos problemas de la adolescencia: lidiando con su identidad, su cuerpo y su relación con sus padres.

Entre gustos disruptivos y los cambios de la adolescencia Mei tendrá que lidiar con ellos de forma discreta sin revelar el secreto de su dinastía y las consecuencias que este puede desencadenar.

Con un mensaje claro, entender a las nuevas generaciones Turning red plantea un mensaje de entendimiento entre padres e hijos, en donde las brechas generacionales son más que presentes, la tolerancia, respeto y confianza son la base de toda armonía familiar.

En resumen, Turning Red nos recuerda que cada uno de nosotros es único y que nuestras diferencias son parte de lo que nos hace especiales. También nos enseña la importancia de la comunicación y la aceptación en nuestras relaciones, especialmente en la relación entre padres e hijos.

Con la banda sonora a cargo de Finneas O’Connel la película se enriquece sonoramente, destacando con la participación del productor en la canción principal de la misma “Nobody like u”, entre otras.

The Banshees of Inisherin – Martin McDonagh

Por Alejandra Díaz Blengio

The Banshees of Inisherin, un drama dirigido por Martin McDonagh llega a los Oscares 2023 compitiendo en la categoría de Mejor Película y cuenta la historia de dos hombres que viven tranquilamente en la isla de Inisherin, así como la dinámica que se desata entre ellos y el resto del pueblo, cuando uno de ellos (Colm, interpretado por Brendan Gleeson), un músico folclórico en medio de una crisis existencial decide terminar abruptamente su amistad con el otro (Pádraic, interpretado por Colin Farrell), un hombre más bien simplón pero siempre amable, que va a todos lados con su burra miniatura Jenny.

La historia logra despertar profundas emociones gracias a su impecable guion y a sus superlativas actuaciones tanto protagónicos como de reparto, que van poco a poco agregando capas de complejidad a sus personajes. Si bien sería un sorpresa que The Banshees of Inisherin se alzara con la estatuilla a Mejor Película, no lo sería en absoluto que se lleve el premio en la categoría de Mejor Guión Original, y uno o dos en las categorías destinadas a las mejores interpretaciones, en esta edición 95° de los Premios Oscar.

Este film, a través de un humor negro implacable, resalta fundamentos existenciales de la naturaleza humana, como la necesidad de trascender, de dejar un legado. En medio de la risa y el absurdo, vemos al ser humano, vulnerable, auténtico, lidiando con la vida diaria y con sus propias batallas. Con los desbordantes Farrell y Gleeson, los emotivos Keoghan y Condon, y la singular burrita Jenny, McDonagh va ensamblando las piezas que una a una van despojando nuestros pensamientos y emociones de toda racionalidad, para reemplazarla con ese vacío inmenso de la soledad, en un extraordinario escenario que retrata lo volátil y vulnerable de la condición humana.

Blonde – Andrew Dominik

Por Federico Luna

La película Blonde, basada en una novela del mismo nombre escrita por Joyce Carlos Oates en el año 2000, es fiel a la intención de la autora de la idea original de Blonde. Propuesto como un concepto de arquetipización de las mujeres con ciertas características físicas, a quiénes aparentemente la vida se les ha dado fácil debido a su belleza o atractivo físico. Sin duda, la interpretación de Ana de Armas es fiel reflejo de este arquetipo: la actriz famosa hundida en una profunda soledad y en una abismal incomprensión. Siendo estos los principales problemas de Norma Jane, rebautizada por la industria cinematográfica como Marilyn Monroe. Sin duda es aquí donde el argumento de Rilke resulta cierto: una vida fácil es reflejo de no estarla tomando en serio, porque la vida es pesada y difícil.

En mi opinión, la actuación de la actriz nominada no me pareció nada alejado de la vida diaria de alguien como ella. El tiempo ocupado por gritos, llantos y gemidos ciertamente describen la manera en que la fama convierte a algunas personas en simples muñecos al servicio de un hombre blanco, opresor, poderoso, y generalmente también, sádico. Es necesario advertir el mensaje de la obra, al identificar a un color con una condición subyacente al ser, una que abona en la minimización de las capacidades de una persona, y la reduce a un estereotipo que reproduce finalmente un modelo de dominación patriarcal. Al patriarcado sirven algunos sistemas como el de entretenimiento: se modelan gustos, se brandean comportamientos. Este conjunto de prácticas puede, si le es necesario, detectar un asset que cumpla con los estándares de belleza de la época y convertirlo en una trabajadora, por supuesto explotarla, y naturalmente generar ganancias a los creadores, y manejadores de la mascota en cuestión.

All the Beauty and the Bloodshed – Laura Poitras

Por Lefteris Becerra

El más reciente documental de la reconocida cineasta de Boston, Laura Poitras, cuyo título original es All the Beauty and the Bloodshed, es una película con una trama densa tanto por la cantidad de materiales usados en su confección, como su diversidad. En la mira de su atención se encuentra la llamada “crisis de los opiáceos” estadounidense, pero el enfoque audaz y radical de la propuesta de Poitras es la de llevar ese escabroso tema que incluye la acumulación de más de medio millón de cadáveres como consecuencia de un fármaco vendido desde 1996 gracias al poder corruptor del dinero que la famila Sackler le insufló al Oxycontin, el opiáceo señalado por los expertos como el causante directo de la masacre que sigue apilando muertos sin que se haya llamado a cuentas a nadie, quedando al descubierto la podredumbre del sistema “democrático” del país vecino.

Dividido en un prólogo y seis capítulos, Poitras dosifica su aproximación a través del seguimiento puntual de la fotógrafa Nan Goldin cuya historia Poitras tiene la habilidad de ir tejiendo en relación directa con la corrosión social provocada por Purdue Pharma de la familia Sackler. De modo que el pasado en sus diferentes momentos sirve como un entretejido denso cuya única salida parece el activismo presente y futuro tan rabioso como artístico que Goldin viene operando en compañía de las personas que colaboran en la organización P.A.I.N. La música, las citas audiovisuales, textual, fotográfico, musical e incluso documental (de conversaciones privadas de whatsapp a expedientes médicos y correos electrónicos de miembros de la familia Sackler) son los elementos con los que Poitras ejecuta una lección de cine cuyo caudal se forma de afluentes de riqueza insospechada, de los detritos más tóxicos de la trasnacionalizante sociedad estadounidense de cepa neoliberal. Sólo queda una orilla: la rebelión.

Elvis – Baz Luhrmann

Por Fernanda Téllez

Un ídolo de la música es desmembrado a través del “Biopic” realizado por Baz Luhrman, estrenado en 2022. Elvis Aaron Presley (Austin Butler), es revelado por la narración que hace su mánager codicioso, el General Tom Parker, interpretado por Tom Hanks.

La historia visual del Rey del Rock and Roll se cuenta por la voz en off del coronel Tom Parker y es desgarradamente superficial el desarrollo de la y evolución de Elvis. A simple vista aparecen iconos de la música, como B. B. King y personalidades que estaban asociados al góspel, country y el rhythm’n blues.

Visualmente nos cuentan un soundtrack de Elvis (aunque se escucha en una parte de la película mezclas de Trap) y en un instante de dos horas con treinta y nueve minutos, las transiciones y los efectos visuales saltan de escenario a escenario, al puro estilo de las películas anteriores del director: Romeo + Julieta (1996), The Great Gatsby (2013). Enganchan los destellos llenos de colores e invención de efectos, que son aprovechados en un presupuesto de 85 millones de dólares, recaudando más de 287.3 millones de dólares en todo el mundo.

Los detalles de cada etapa del Rey, son rápidos y acontece en hechos históricos, cómo la segregación racial, los asesinatos de Martin Luther King Jr. y Robert F. Kennedy. Pero sin duda la historia gira en torno a los deseos del coronel, que se lleva el protagonismo, siendo que el actor principal como lo catalogaron, no sea Austin Butler.

Tom Hanks se ve irreconocible, transformado totalmente de su rostro, gracias al staff de vestuario, producción y maquillaje, que sin duda el equipo encargado puede presumir la gran labor que hizo y se aplaude, porque los arreglos de vestuario nos trasladan a 1950. Porque como mejor película dejó a Elvis desangrándose.

Elvis se ve en cada toma, sin embargo no existió en la película, sólo fueron minutos donde vimos a un gran músico olvidado, que no pudo hacer nada respecto a su destino, ni siquiera hacer giras internacionales. Con un sabor agridulce termina este film, dejando a un espectador insatisfecho, la profundidad de la historia no llega al fondo de una intencionalidad, sólo queda investigar por su cuenta a quienes quieran adentrarse en esta biografía y buscar para que cada quién haga una recreación de su propia historia de lo que sentía, vivía y padecía el Rey del rock n roll, rockabilly, country, blues y el rhythm and blues.

En Revista Kinema Books, nos apasiona acercar la cultura cinematográfica a todos los interesados en las conexiones que unen al cine con todas las demás artes. Queremos cambiar al mundo, por medio de la divulgación de libros, películas y arte.