Especial 2023: Cine de terror en Kinema Books

El terror es uno de los géneros más antiguos de la historia del cine. También es uno de los más populares, el que mueve a las masas a pagar para ser asustadas en medio de la oscuridad de la sala. En Kinema Books, escribímos sobre las películas que nos aterran, justo en la mejor época del año, la que irremediablemente mezcla la tradición del día de muertos y la excentricidad del Halloween. Compartimos también, enlaces a cada filme.

The Autopsy of Jane Doe (2016) – André Øvredal

Por Marisela Sánchez.

Primera película en inglés del cineasta noruego André Øvredal, estrenada en el festival internacional de Cine de Toronto en septiembre de 2016, acreedora del premio especial del jurado en el Festival de Sitges, La Morgue nos presenta a Tommy (Brian Cox) el médico forense del pueblo y a su hijo Austin (Emile Hirsch), quien decide acompañarlo a realizar la autopsia del inusual cadáver de una mujer no identificada que fue encontrado en la escena de un brutal homicidio, conforme van avanzando en la autopsia, la intriga crece al descubrir atrocidades en el interior del cuerpo que curiosamente no presenta heridas visibles en su exterior, al mismo tiempo que van armando el rompecabezas sobre la muerte de la mujer a quien llaman Jane Doe se desencadenan una serie de eventos terroríficos que llevarán a padre e hijo al borde de la locura.

Concentrada en una única locación, La Morgue atrapa al espectador en un centro forense del que no existe escapatoria, creando un ambiente de asfixia y claustrofobia, si bien, no logra desprenderse por completo de ciertos clichés del género es demasiado disfrutable por la gran química de nuestros protagonistas incluyendo a Olwen Kelly, actriz que encarna a Jane Doe, que a pesar de solo estar tendida en una mesa logra crear una atmósfera sombría alrededor de ella despertando la curiosidad de resolver el misterio detrás la autopsia de Jane Doe.

Enlace a película: https://ok.ru/video/7119887796822

The Devil’s Rejects (2005) – Rob Zombie

Por Armando Navarro.

Ubicada entre House of 1000 Corpses (2003) y 3 From Hell (2019), The Devil’s Rejects (2005) es el punto más lírico y perturbador de la trilogía del músico convertido en cineasta Rob Zombie. Recreando una atmósfera setentera inquietante, sigue la historia de la pútrida familia disfuncional sobreviviente del primer capítulo: John «Capitán Spaulding» Cutter, Otis B. Driftwood y la perversa Vera-Ellen «Baby» Firefly, quienes van huyendo y matando a través de la América profunda, perseguidos por el vengativo sheriff John Quincey Wydell. Rob Zombie presume su fina melomanía, la destreza para mover la cámara y una maestría inesperada en la sala de montaje, junto al gran Glenn Garland.

Se trata de un nauseabundo recorrido por carreteras, sótanos y hoteles de paso, que va in crescendo en violencia y locura hasta una apoteosis lírica, aderezada con los suaves acordes de Free bird (1973) de la banda norteamericana Lynyrd Skynyrd. Es justo la estructura de esa canción, la que Zombie copia y utiliza en el segundo acto de su ópera de horror: un principio lento, para terminar vertiginoso. Heredera descompuesta de The Texas Chain Saw Massacre (1974) en estética, estilo y suciedad, The Devil’s Rejects tiene sus mejores secuencias en las dementes discusiones y desenfrenados asesinatos de sus protagonistas, donde el verdadero terror explota proveniente de la realidad misma, con una Norteamérica plagada de asesinos seriales y armas detrás de la puerta.

En el universo de esta triada de Rob Zombie, no hay lugar para elementos sobrenaturales o monstruos fantásticos, la violenta naturaleza humana basta y sobra para provocar repulsión y pánico. Parte de la selección oficial del Festival de Sitges en 2005, Los renegados del diablo no obtuvo en su estreno la repercusión y éxito de la antecesora de culto La casa de los 1000 cuerpos, sin embargo, el tiempo le ha permitido recabar una legión de seguidores gracias a la siniestra mezcla del soundtrack y la perversidad de sus personajes.

Todo se iría por la borda catorce años después con la tercera parte: Los 3 del infierno, donde inexplicablemente, el trío sobrevive para protagonizar una trama absurda y caricaturesca. El desquiciado guion de Zombie, la fotografía de Phil Parmet, la música de Tyler Bates, el atrevido formato de 16 mm con mucha cámara al hombro, la precisión del maquillaje y la sangre que salpica la pantalla, son todos esos componentes que ensamblan un filme de terror áspero y genuino.

Enlace a película: https://ok.ru/video/1853556984437

Perfect Blue (1997) – Satoshi Kon

Por Evelyn Yobana Loya.

“the color of ilusión is perfect blue”

Película aclamada por los críticos y el público, es una animación japonesa de 1997, categorizada bajo el género: criminal, misterio y terror; con una duración de 1 hora y 30 minutos, está dirigida por Satoshi Kon, un querido director japonés, llamado “genio de la animación” por muchos fanáticos; al mismo tiempo, trabajó como guionista y coproductor del quinto episodio de la serie original: Jojo’s Bizarre Adventure.

Lamentablemente, falleció un 24 de Agosto del 2010 a la edad de 46 por un cáncer de páncreas, dejó a lo largo de su carrera películas memorables como: Papikra (siendo esta cinta su última obra), Millenium Actress, Tokio Godfathers y Perfect Blue, la película que lo debutó como cineasta y es su película cumbre, considerada actualmente como cinta de culto y denominada ícono perfecto dentro de la animación japonesa.

¿Por qué todo el mundo debería verla?, porque es una crítica social a diversos temas, como al medio del entretenimiento, al fanatismo, la presión que conlleva ser artista, las crisis de identidad, acoso y paranoia. Al mismo tiempo, el directo aprovechará el furor de las redes sociales que estaban recién salidas del horno y tenían a la sociedad alborotada. A su vez, el director hará uso de manera discreta y delicada los colores cálidos o fríos, para mostrarnos las transiciones de la protagonista, su realidad y pasado.

La sinopsis de la película: Mima esuna estrella de pop que está decidida a dejar de lado su imagen de niña buena para comenzar en el mundo de la actuación, realizando papeles subidos de tono. Pero todo cambiará cuando empiece a ser acechada por un fan obsesivo.

Enlace a película: https://ok.ru/video/1148172175967

Orphan (2009) – Jaume Collet-Serra

Por Anahí Vargas Carbajal.

República Checa. 2007. Hipopituitarismo. Barbora Skrlová, una mujer de 33 años con un historial psiquiátrico considerable, utilizaba ese trastorno glandular para hacerse pasar por una niña pequeña.

Las hermanas Klara y Katherina Mauerová adoptaron a esa ‘‘niña indefensa’’ quien, a través de diversas manipulaciones, logró rendir a ambas mujeres a sus pies a tal grado que los dos hijos pequeños de Klara terminaron encerrados y torturados en jaulas e inclusive siendo víctimas de actos caníbales. A través de las mismas manipulaciones y mentiras, Barbora logró escapar de la justicia al hacerse pasar por una víctima más de las hermanas.

Fue en Noruega, bajo la identidad de ‘‘Adam’’, donde fue finalmente atrapada y condenada a cinco años de prisión; sin embargo, en 2011 quedó en libertad. El día de hoy se desconoce su paradero.

Orphan es una película de terror del 2009 dirigida por el español Jaume Collet-Serra, producida, entre otros, por Leonardo DiCaprio y basada en dichos sucesos adaptando la historia a los Estados Unidos en una familia que, tras la pérdida de uno de sus hijos, busca llenar ese vacío adoptando a una pequeña niña que es tan talentosa y carismática, como misteriosa y peligrosa.

La película contó con el tremendo protagónico de una maravillosa Isabelle Fuhrman, de tan sólo 12 años, dando vida a la misteriosa Esther. Acompañándola estaban la ahora histórica del género Vera Farmiga, antes de su incursión en el Universo de los Warren, y Peter Sarsgaard como sus atormentados padres adoptivos; otra maravillosa actriz infantil llamada Aryana Engineer como la pequeña Max y Jimmy Bennett como Daniel, completaban la familia Coleman.

Con un muy destacable estilo visual digno de lo que los ojos españoles nos han dejado ver en el cine de terror de su país en los últimos años, la película logra planos, escenas y secuencias llenos de tensión que mantienen al espectador al borde de su asiento desde que comienza hasta ese sorprendente final que, en mi opinión, podría ser considerado uno de los grandes momentos del cine de terror sin problema alguno. Ese impactante giro de tuerca al final de la historia y su impecabilidad en la realización, la han hecho envejecer como un muy buen vino manteniéndose latente en la referencia colectiva con todo y su cuestionable secuela.

Enlace a película: https://ok.ru/video/4889861622316

Jennifer’s Body (2009) – Karyn Kusama

Por Marisol Nava.

Jennifer’s Body cuenta la historia de dos mejores amigas que comienzan a tener problemas cuando una de ellas es poseída por un súcubo devora hombres después de haber sido sacrificada por una banda de Rock a cambio de fama y fortuna. La cinta fue escrita por Diablo Cody, ganadora del Oscar por su trabajo en Juno. Trata temas como la explotación del cuerpo femenino en la industria del entretenimiento, las relaciones platonicas entre mujeres e incluso busca darle un giro inesperado a los convencionalismos del cine de terror.

Para complementar sus logros, la historia detrás de su estreno deja entrever justamente aquello que critica. Tanto los pósters promocionales como el tráiler de Jennifer’s Body explotan la imagen de Megan Fox, quien por aquel tiempo era considerada la mujer más sexy del mundo, para atraer a la audiencia a las salas de cine a disfrutar la película. Sin embargo, esta estrategia de marketing atrajo a las personas incorrectas, es decir, espectadores, en su mayoría masculinos, que esperaban una película de terror convencional con escenas sensuales de Megan Fox.

Cuando lo que encontraron fue una cinta subversiva con protagonistas mujeres que utiliza los clichés del cine de terror para tratar temas feministas, la crítica destruyó a Jennifer’s Body. Sin embargo, años después, se ha recuperado como un clásico de culto y un icono del cine de terror escrito y dirigido por mujeres.

Enlace a película: https://ok.ru/video/2698189081129

Deep Red (1975) – Dario Argento

Por Silvia Ordaz.

La década de los 70´s en el cine italiano se constituyó por obras y autores excepcionales, desde Passolini y Federico Fellini hasta Dario Argento cuya obra está inserta en el thriller y el giallo, subgénero del horror italiano del que Argento es el exponente número uno. Profondo rosso es una de estas obras surgidas a mediados de los años setenta, 1975, como parte de una ola de cine que venía ya influenciada por Hitchcock y que, a su vez, sería uno de los antecedentes del cine de terror estadounidense.

Marcus Daly, profesor de piano en el conservatorio italiano es testigo del asesinato a sangre fría de una vidente, vecina de su edificio. Su amigo Carlo, pianista también y una periodista de nombre Gianna lo acompañan en la travesía de investigar qué fue lo que sucedió. Envuelta en la oscuridad, la ciudad italiana es un personaje más en la cinta, las escenas se desarrollan de principalmente de noche, permitiendo que las sombras y la penumbra otorguen todo sentido al misterio de la atmósfera. Los lugares guardan memoria de sucesos pasados: la belleza arquitectónica, el exquisito diseño de interiores, el estilismo, la música, son elementos principales dentro de la estética de la película y escenario de una serie de crímenes que Daly habrá de ir siguiendo.

Mucho se ha hablado a cerca de la exaltación de la sangre, de la estética del horror en el cine de Argento, <<lo bello es el comienzo de lo terrible que todavía podemos soportar>>, dijo R.M.Rilke, y esta es una cinta que más allá de juicios, se soporta y se disfruta por sus cualidades estéticas.

Enlace a película: https://ok.ru/video/5907620891316

The House That Jack Built (2018) – Lars von Trier

Por J.R. Nava.

The House That Jack Built es una película dirigida por Lars von Trier que desafía las convenciones cinematográficas y la sensibilidad del público. La película narra la vida de Jack, un asesino en serie interpretado por Matt Dillon, a través de cinco incidentes clave que representan sus asesinatos más significativos. Su naturaleza gráfica y provocadora ha generado una respuesta dividida entre los críticos y las audiencias.

La película adopta una narrativa no lineal y una estructura única que sumerge al espectador en la mente perturbada de Jack. Esta elección narrativa puede resultar desconcertante, pero contribuye a una exploración más profunda de la psicología del personaje. Lars von Trier no se reprime al mostrar escenas extremadamente gráficas y perturbadoras. La película desafía los límites de la representación de la violencia, lo que ha generado debates intensos sobre la ética y los límites del arte.

A través de los monólogos de Jack, la película aborda temas filosóficos y existenciales, explorando la relación entre el arte, la creación y la destrucción. Estas reflexiones profundizan la película y la elevan a un nivel más intelectual. Matt Dillon brinda una actuación memorable en el papel de Jack. Su interpretación logra transmitir la complejidad y la frialdad del personaje de manera convincente, convirtiéndola en uno de los aspectos destacados de la película.

Von Trier utiliza simbolismo visual y referencias artísticas a lo largo de la película para invitar a la reflexión. Estos elementos visuales enriquecen la experiencia y permiten interpretaciones más profundas. En última instancia, The House That Jack Built desafía las convenciones cinematográficas y se presenta como una obra de arte provocativa que puede no ser adecuada para todos los gustos.

A pesar de su polémica, ofrece una visión inquietante de la psicología de un asesino en serie y plantea preguntas profundas sobre la naturaleza del arte y la creación. Esta película es un viaje cinematográfico provocador que invita a la reflexión y la discusión, pero debe ser vista con una advertencia debido a su contenido gráfico y su naturaleza controvertida.

Enlace a película: https://ok.ru/video/3252873005692

Under the Skin (2013) – Jonathan Glazer

Por Alejandra Díaz Blengio.

Under the Skin, del ya aclamado director de culto Jonathan Glazer, y adaptación de la novela homónima del holandés Michael Faber, llega con una propuesta bastante radical en torno al género del sci-fi y terror. Aunque está película es comúnmente más asociada a la ciencia ficción, el terror se encuentra escondido en cada una de sus líneas, un singular y genuino terror nos invade desde el inicio.

Jonathan Glazer toma a Scarlett Johansson y construye su mundo de ficción a partir de ella, algo que podemos observar a través de las secuencias de nuestra protagonista caminando en las calles de Glasgow, sin libreto, sin extras, sin un crew de camarógrafos, solo una cámara escondida que registra sus movimientos, y es así como nos encontramos observando y casi acechando a nuestro personaje durante su paso por el mundo, un mundo que parece serle ajeno.

Y es ahí donde radica la genialidad de Glazer, en lograr ese paralelismo entre la narrativa de su ficción y la forma en la que la cuenta (la forma de contar el cuento es el cuento), con una especie de meta relato y una crítica al star system que domina y marca la pauta en Hollywood.

La premisa es bastante simple, y no ahonda mucho en los orígenes, ni en el por qué, solo nos presenta la llegada a la Tierra de un alienígena en la piel de Scarlett Johansson, un depredador sin empatía alguna, que caza innumerable presas para sobrevivir.

Nos muestra nuestro mundo visto desde los ojos de un alienígena. La primera mitad es una observación paciente de nuestra especie, nuestras costumbres y formas, y no es casualidad que Glazer haya elegido Escocia para situar su ficción, mostrando siempre su belleza áspera y avasalladora, dónde sus personajes tienen acentos fuertes y en momentos difíciles de comprender, exaltando de esta manera justo la forma en la que somos vistos por el «outsider»: un mundo distante, complejo e incluso amenazante. Sobra decir que el film es deliberadamente alienante, además de contar con elementos visuales impactantes y una singular forma de atrapar al espectador.

Y conforme el depredador estudia y conoce a su presa, se comienza a preguntar que reside bajo su propia piel. Y la segunda parte del film explora eso, vemos al depredador buscando algún tipo de humanidad en sí mismo, solo para reconocer su otredad, su naturaleza no humana, enfrentándose a las profundas contradicciones de la naturaleza humana y a los extremos de la naturaleza de su presa – esa capacidad infinita para la bondad así como esa inexplicable brutalidad de la que también somos capaces –siendo guiada a su trágico desenlace, con nada más que una sensación del más puro desconcierto, perdiendo la piel para dejar a la vista su verdadero ser.

Enlace a película: https://ok.ru/video/4543916542715

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