Dicen que el fútbol es el opio del pueblo. Pero en un país con heridas tan profundas como el nuestro, ese opio no se toma para olvidar la realidad; es para aguantarla. Para soportar los fregadazos del día a día. Disfrutar un partido no significa ignorar la desigualdad o las tragedias; significa que seguimos siendo humanos. Si esperáramos a que todo estuviera bien para celebrar, nadie volvería a sonreír.
La magia del teatro también radica en las ingeniosas formas en las que se crean escenarios entre el juego de luces, escenografía móvil en tiempo de escena y, sobre todo, el cómo los ensambles juegan con nuestra imaginación para hacer que la obra viva. Es a través de estos cuerpos en movimiento y transiciones lumínicas que la sabana africana cobra volumen real ante nuestros ojos.
El afamado escritor Augusto Monterroso decía que los tres grandes temas de la literatura son el amor, las moscas y la muerte. Según él, al simplificar todo lo que nos rodea, no importa de qué hablemos, siempre terminaremos habitando uno de estos tres territorios. The Drama (2026), el más reciente largometraje estadounidense producido por A24 y dirigido por Kristoffer Borgli, se apropia de las tres partes que menciona Monterroso para edificar una de las comedias negras más intersantes del año. Ya en Prime Video.
El director Kane Parsons ha sabido aterrizar con maestría la estética del mockumentary (falso documental) que lo catapultó a la fama en internet. Adaptando los innovadores cortometrajes que creó en YouTube desde su adolescencia, Parsons demuestra que con solo 20 años de edad y un presupuesto estimado de 10 millones de dólares, es capaz de desafiar las convenciones del horror comercial.
Los días se han sentido tan fugaces, tan intensos. Como si la vida, en ocasiones, solo fueran cachos de un hilo largo; secciones de un video sin principio ni fin. No sin sentido, solo un punto tan brusco del tiempo que pasa más rápido de lo que tengo de entendimiento. No triste, no en vano,... Leer más →
Hay noticias que no solo informan: abren una grieta en la historia. La compra de Warner Bros. por parte de Netflix es una de ellas. No es exageración decir que se trata del cambio más grande en Hollywood en décadas, un terremoto que reacomoda ventanas de exhibición, modelos de negocio y, sobre todo, la forma en la que entendemos —y consumimos— cine. Lo que hasta ayer parecía un equilibrio forzado entre plataformas, estudios y cadenas de televisión, hoy quedó desmantelado de un solo golpe.
Gladiador nació como un acto de fe. El guion, inicialmente concebido por David Franzoni, era desde su primera versión, una apuesta que requería no solo de un equipo de producción con nervios de acero, sino de una convicción absoluta en el poder del concepto. Franzoni había quedado fascinado con la historia de los gladiadores tras un viaje por Europa, donde las ruinas romanas lo confrontaron con la brutalidad y la espectacularidad de aquellos combates que mezclaban entretenimiento, poder y muerte en partes iguales
A primera vista, parecería que Celine Song y Luca Guadagnino trabajan en extremos opuestos del espectro cinematográfico. Materialist se anuncia como una comedia romántica mínima sobre vínculos y objetos; Challengers, como un torbellino melodramático donde el tenis, el deseo y el cuerpo colisionan. Pero ambas películas dialogan, aunque desde lenguajes distintos, en un mismo territorio: el de los vínculos humanos bajo presión, donde la pertenencia, el poder y el deseo son moldeados por fuerzas externas —sociales, económicas, culturales— que definen cómo se ama y cómo se elige.
Han pasado más de 50 años desde que el aclamado director Steven Spielberg nos entregó su icónica TIBURÓN, ¿quién no ha visto el icónico póster de Roger Kastel con el monstruo subiendo a la superficie del mar? ¿Quién no ha escuchado la mítica melodía de John Williams parodiada y repetida por la cultura popular? Sin duda alguna, una película que no solo transformó el arte cinematográfico, sino también la forma en que Hollywood concibió y comercializó los estrenos de verano, o mejor conocidos como blockbuster, hoy en día de inmediato lo relacionamos a los grandes estrenos, a las películas con presupuestos titánicos que recaudan aún más por todo el auge que generan, pero no siempre fue así.
Weapons (2025) me hizo sentir nervios, temor e incluso shock. Es, que yo recuerde, la primera vez que una película de terror me hace reír porque así lo quería el autor. Y eso ya lo considero un acierto total. Su recepción será divisiva: para algunos, la confirmación de que el terror contemporáneo debe abrazar lo absurdo y lo impredecible; para otros, un chiste innecesario que nunca termina de asustar porque se ríe demasiado.
Bringing Out the Dead no es una película cómoda, ni popular. Pero es posiblemente una de las más honestas del cine estadounidense sobre el cansancio moral. Y como toda gran obra nocturna, te deja con más preguntas que respuestas.
En una época donde el consumo es desenfrenado, fugaz, casi automático y desechable, el papel del arte es una de las mayores incógnitas que tenemos dentro de la sociedad. ¿Es la vida un reflejo del arte? ¿O es un hecho que nuestra realidad imita nuestro arte? ¿Son las películas un escape de la realidad turbulenta que vivimos día con día? ¿O una advertencia de nuestro comportamiento a futuro? Todas preguntas válidas y que terminan generando esa paradoja de creencia. El problema con las paradojas es que nos terminan llevando, como es en esta ocasión, a creer que los extremos son la respuesta única. No vemos el panorama completo, solo buscamos responder lo que creemos correcto, sin atender al resto de posibilidades que deberían intervenir en el análisis. Por Saúl Araujo.
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