Autor: Saúl Araujo Arellano

Saúl Araujo Arellano es un ferviente amante del séptimo arte y la literatura desde temprana edad. Desde 2021, escribe de manera casual a través de su cuenta de Letterboxd (@jk_fouxs), motivado por su pasión por compartir opiniones sobre cine. Su interés se centra en los géneros de Ciencia Ficción y Drama, y a lo largo de su vida ha estado cercano a conocer y compartir historias, siendo un creyente de que el poder de las historias mueve al mundo y el cine cambia vidas.

‘The Drama’ (2026): Del amor a la moral

El afamado escritor Augusto Monterroso decía que los tres grandes temas de la literatura son el amor, las moscas y la muerte. Según él, al simplificar todo lo que nos rodea, no importa de qué hablemos, siempre terminaremos habitando uno de estos tres territorios. The Drama (2026), el más reciente largometraje estadounidense producido por A24 y dirigido por Kristoffer Borgli, se apropia de las tres partes que menciona Monterroso para edificar una de las comedias negras más intersantes del año.

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El Laberinto de la Mente: ‘The Backrooms: Sin Salida’ (2026)

El director Kane Parsons ha sabido aterrizar con maestría la estética del mockumentary (falso documental) que lo catapultó a la fama en internet. Adaptando los innovadores cortometrajes que creó en YouTube desde su adolescencia, Parsons demuestra que con solo 20 años de edad y un presupuesto estimado de 10 millones de dólares, es capaz de desafiar las convenciones del horror comercial.

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Los días

Volcán Xinantécatl

Los días se han sentido tan fugaces, tan intensos. Como si la vida, en ocasiones, solo fueran cachos de un hilo largo; secciones de un video sin principio ni fin. No sin sentido, solo un punto tan brusco del tiempo que pasa más rápido de lo que tengo de entendimiento. No triste, no en vano,... Leer más →

Netflix compra Warner: El Futuro del Cine se Redibuja

Hay noticias que no solo informan: abren una grieta en la historia. La compra de Warner Bros. por parte de Netflix es una de ellas. No es exageración decir que se trata del cambio más grande en Hollywood en décadas, un terremoto que reacomoda ventanas de exhibición, modelos de negocio y, sobre todo, la forma en la que entendemos —y consumimos— cine. Lo que hasta ayer parecía un equilibrio forzado entre plataformas, estudios y cadenas de televisión, hoy quedó desmantelado de un solo golpe.

25 Aniversario: ‘Gladiator’ (2000) de Ridley Scott

Gladiador nació como un acto de fe. El guion, inicialmente concebido por David Franzoni, era desde su primera versión, una apuesta que requería no solo de un equipo de producción con nervios de acero, sino de una convicción absoluta en el poder del concepto. Franzoni había quedado fascinado con la historia de los gladiadores tras un viaje por Europa, donde las ruinas romanas lo confrontaron con la brutalidad y la espectacularidad de aquellos combates que mezclaban entretenimiento, poder y muerte en partes iguales

Tres caras de una moneda: Challengers (2023) & Materialists (2025)

A primera vista, parecería que Celine Song y Luca Guadagnino trabajan en extremos opuestos del espectro cinematográfico. Materialist se anuncia como una comedia romántica mínima sobre vínculos y objetos; Challengers, como un torbellino melodramático donde el tenis, el deseo y el cuerpo colisionan. Pero ambas películas dialogan, aunque desde lenguajes distintos, en un mismo territorio: el de los vínculos humanos bajo presión, donde la pertenencia, el poder y el deseo son moldeados por fuerzas externas —sociales, económicas, culturales— que definen cómo se ama y cómo se elige.

50 aniversario: ‘Jaws’ (1975) de Steven Spielberg

Han pasado más de 50 años desde que el aclamado director Steven Spielberg nos entregó su icónica TIBURÓN, ¿quién no ha visto el icónico póster de Roger Kastel con el monstruo subiendo a la superficie del mar? ¿Quién no ha escuchado la mítica melodía de John Williams parodiada y repetida por la cultura popular? Sin duda alguna, una película que no solo transformó el arte cinematográfico, sino también la forma en que Hollywood concibió y comercializó los estrenos de verano, o mejor conocidos como blockbuster, hoy en día de inmediato lo relacionamos a los grandes estrenos, a las películas con presupuestos titánicos que recaudan aún más por todo el auge que generan, pero no siempre fue así.

Weapons (2025): Lo ridículo como catapulta del terror.

Weapons (2025) me hizo sentir nervios, temor e incluso shock. Es, que yo recuerde, la primera vez que una película de terror me hace reír porque así lo quería el autor. Y eso ya lo considero un acierto total. Su recepción será divisiva: para algunos, la confirmación de que el terror contemporáneo debe abrazar lo absurdo y lo impredecible; para otros, un chiste innecesario que nunca termina de asustar porque se ríe demasiado.

El Gran Helado

En una época donde el consumo es desenfrenado, fugaz, casi automático y desechable, el papel del arte es una de las mayores incógnitas que tenemos dentro de la sociedad. ¿Es la vida un reflejo del arte? ¿O es un hecho que nuestra realidad imita nuestro arte? ¿Son las películas un escape de la realidad turbulenta que vivimos día con día? ¿O una advertencia de nuestro comportamiento a futuro? Todas preguntas válidas y que terminan generando esa paradoja de creencia. El problema con las paradojas es que nos terminan llevando, como es en esta ocasión, a creer que los extremos son la respuesta única. No vemos el panorama completo, solo buscamos responder lo que creemos correcto, sin atender al resto de posibilidades que deberían intervenir en el análisis. Por Saúl Araujo.

Pecar para sobrevivir: ‘Sinners’ (2025) y ‘Get Out’ (2017)

Ambas películas saben que el cuerpo negro ha sido deseado y castigado con la misma intensidad. Que se lo ha querido esclavizar, curar, santificar, redimir. Que se le ha dicho qué hacer, cómo amar, cuándo callar. En Get Out, el cuerpo de Chris es subastado en una escena escalofriante, apenas disimulada por la estética de coctel. En Sinners, el cuerpo se reprime a través del sermón, del juicio moral que condena el placer, el gozo, el blues. El pecado, nos dice la película, no es más que la vida que se resiste a ser domada. Por Saúl Araujo.

Insomnia (2002): La Luz y la Verdad

Insomnia no solo profundiza en el conflicto moral y emocional de su protagonista, sino que también plantea una reflexión crítica sobre la ética dentro del sistema de justicia. A través de la figura de Will Dormer, la película examina cómo el sistema de fuerzas del orden, lejos de ser un espacio de rectitud, a menudo se ve afectado por la corrupción y la presión de obtener resultados a toda costa. Dormer, un detective experimentado, no solo lucha contra la culpa derivada de sus propios errores, sino también con la realidad de un sistema que recompensa el éxito y, en muchos casos, ignora la transparencia y la justicia en favor de las estadísticas y los logros. Por Saúl Araujo.

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