Categoría: análisis

‘Blue Lock’ (2026): el nacimiento del delantero más egoísta.

Creado por Muneyuki Kaneshiro e ilustrado por Yusuke Nomura, Blue Lock se convirtió en la nueva sensación que atrapó al público desde su publicación en 2018. La trama nos habla de que, tras una penosa actuación por parte de la Selección Japonesa de Fútbol, deben encontrar al mejor y más letal delantero capaz de conducirlos hacia el éxito. Para ello, reclutan a 300 jóvenes que se integrarán a un programa de alto rendimiento donde solo el jugador más egoísta podrá triunfar, pero si son eliminados en el proceso perderán su derecho a participar en el equipo nacional. Aquí es donde surge la pregunta: ¿qué estarías dispuesto a sacrificar para brillar? Llegó a cines el 29 de octubre, bajo la distribución de Zima Entertainment.

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#FICM2026: ‘The Debut’: la destrucción y reconstrucción de Julianne Moore.

La conversación alrededor de The Debut se ha centrado en el palmarés previsible para Julianne Moore —que, de lograrse, sería más que merecido—, pero la película e incluso su trabajo van más allá de los premios. Con The Debut podemos conversar sobre la importancia de la experiencia de vida, ¿qué importa cómo sea? ¿Qué importan los resultados? ¿Qué importa si a otros no les importa? La película se estrenará en México durante el primer trimestre del 2027.

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#FICM2026: ‘Chicas Tristes’, de Fernanda Tovar, un homenaje a las redes de apoyo.

Formada empíricamente entre las funciones y las fiestas del Festival Internacional de Cine de Morelia y deslumbrada por la presencia de Pawel Pawlikowski cuando era una estudiante de cine que presentaba sus primeros cortometrajes en esas instancias, Fernanda Tovar regresa al festival que la ha visto crecer para, por fin, ‘‘jugar de local’’ y presentar su primer largometraje titulado Chicas Tristes, una historia sobre dos adolescentes que hacen de la amistad un búnker para protegerse de los golpes que da la vida.

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Ben-Hur y otros eventos canónicos

Hace unos días vi en un ciclo de clásicos del cine, y en un cine, Ben-Hur, de William Wyler, la película que contribuyó decisivamente a aliviar la crisis financiera del legendario estudio Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). El auge de la televisión y una serie de fracasos comerciales habían puesto al estudio en una situación crítica. En un movimiento desesperado MGM apostó todo a Ben-Hur. El estudio sobrevivió al golpe; el productor, no: Sam Zymbalist murió de un infarto durante el rodaje. Ese nivel de estrés había en el set de filmación.

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The Twisted Childhood Universe: cuando el cine retuerce nuestra infancia.

La nostalgia infantil se ha convertido en una mina de oro para el cine de terror. En plena era digital, Hollywood ha encontrado una fórmula tan retorcida como rentable: profanar los iconos de nuestra infancia y transformarlos en monstruos sedientos de sangre. Lo que alguna vez representó la inocencia ahora alimenta pesadillas de bajo presupuesto, humor macabro y violencia explícita. El fenómeno tiene nombre propio: The Twisted Childhood Universe, una franquicia que convierte los recuerdos más entrañables de varias generaciones en auténticas carnicerías cinematográficas.

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Las mujeres en el camino de la cruz.

La tradición cristiana ha situado históricamente a los apóstoles varones como figuras centrales en la construcción de la Iglesia y en la transmisión del mensaje evangélico. Sin embargo, una lectura atenta de los textos canónicos permite advertir que las mujeres ocupan un lugar fundamental en momentos decisivos de la vida de Jesús: desde la anunciación y los primeros milagros hasta la Pasión, la muerte y, de manera particularmente significativa, la Resurrección. A través de figuras como María, María Magdalena, Marta, la samaritana y otras mujeres anónimas, los evangelios configuran distintas formas de fe, acompañamiento, testimonio y mediación espiritual. Este texto propone recuperar esas presencias femeninas y examinar su relevancia dentro de la narrativa cristiana, así como las transformaciones que su representación experimentó a través de la tradición posterior.

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‘Metrópolis’ (1927): casi 100 años de una alegoría medieval trasladada a una ciudad futurista.

A casi un siglo de su estreno, Metrópolis (1927), de Fritz Lang, continúa siendo una obra fundamental para comprender la relación entre cine, tecnología y crítica social. A partir de la división de su sociedad entre quienes poseen el poder y quienes sostienen el funcionamiento de la ciudad, la película y la novela de Thea von Harbou plantean una reflexión sobre la desigualdad, la deshumanización del trabajo y los límites del poder. En este análisis exploraremos cómo estos elementos construyen una alegoría que, pese a pertenecer a otra época, mantiene una sorprendente vigencia en el presente.

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Teatralidades y trance en Bali

En Bali, el teatro y la danza forman parte de una tradición cultural en la que lo artístico, lo religioso y lo espiritual se encuentran profundamente vinculados. Más que simples espectáculos, muchas de sus expresiones escénicas funcionan como rituales, espacios de transmisión de antiguas tradiciones y medios de conexión con el mundo espiritual. A través de sus danzas, máscaras, música y ceremonias, la cultura balinesa ha desarrollado una concepción de la teatralidad en la que el cuerpo del intérprete adquiere un papel fundamental como puente entre lo humano y lo sagrado.

‘Tea Rooms. Mujeres obreras’ (1934): la búsqueda de la emancipación de la mujer trabajadora

En una época marcada por la desigualdad social, la precariedad laboral y las restricciones impuestas a las mujeres, la literatura también se convirtió en una herramienta de denuncia y resistencia. Entre las voces que retrataron esta realidad destaca Luisa Carnés, una escritora de origen obrero que convirtió sus propias experiencias y su compromiso social en materia literaria. Su obra Tea Rooms. Mujeres Obreras ofrece una mirada crítica a las condiciones de vida y trabajo de las mujeres durante la Segunda República Española, al tiempo que plantea la necesidad de solidaridad, dignidad y emancipación femenina.

En Netflix: ‘Un hijo propio’ (2026) de Maite Alberdi, los límites entre la realidad y la ficción.

Hay historias que parecen imposibles de creer hasta que descubrimos que ocurrieron realmente. Un hijo propio, el nuevo documental de Maite Alberdi, parte de un caso extraordinario para explorar algo mucho más profundo: la presión social, el deseo de ser madre y los límites que una persona puede llegar a cruzar para sostener una identidad construida. Entre documental y ficción, Alberdi vuelve a mirar aquello que parece insólito para encontrar, detrás del escándalo, una historia profundamente humana.

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